Schritt 1: Grundprinzip des Formsatzes in Photoshop

Formsatz in Photoshop ist ganz einfach. Hierzu notwendig ist ein Arbeitspfad, auf dem der Text eingefügt wird.

So lässt sich ganz einfach mit dem Rechteck-Werkzeug eine Form aufziehen. Mit dem Textwerkzeug klicke ich dann in das Rechteck und kann meinen Text schreiben bzw. einfügen.

Ein bisschen Reklame in eigener Sache:

Schritt 2: Eigene Formen für Formsatz nutzen

So viel zum Grundprinzip. Ich kann jetzt mit den Zeichenwerkzeugen meine Pfade ändern, wie es mir beliebt, um eine Form für den Text vorzugeben. Noch einfacher ist es, wenn Formen bereits als Vorgabe vorhanden sind. Mit dem Eigene-Formen-Werkzeug wähle ich die Sprechblasenform und ziehe sie auf. Im nächsten Schritt klicke ich mit der Maus wieder in die Sprechblase und schreibe meinen Text. Der Text passt sich der Sprechblasenform wunderbar an.

Über die Fenster Absatz und Zeichen kann ich noch ein wenig Feintuning machen, indem ich Blocksatz einstelle, die Zeichenabstände anpasse, die Zeilenabstände für die Größe der Form wähle etc. Im Ergebnis kann der Text in einer Herzform so aussehen:

2. Konturenführung: Text um Objekte fließen lassen

Schritt 1: Grundprinzip der Konturenführung

Während es in Adobe InDesign ein eigenes Bedienfeld nur für die Konturenführung mit wirklich fantastischen Möglichkeiten wie z. B. Kanten suchen gibt, muss in Adobe Photoshop ein alternativer Weg für den Textfluss um Objekte gefunden werden. Die Lösung ist ein Arbeitspfad, welcher den Konturen des Objekts entspricht, in dem der Text platziert wird. Das Grundprinzip dahinter ist dem des Formsatzes gleich.

Für dieses Tutorial habe ich ein Bild von Fotolia.de gewählt (Bildquelle: © Robert Kneschke – Fotolia.com).

Ich möchte jetzt, dass mein Text elegant um die Person herumfließt. Das Bild hat einen schwarzen Hintergrund, der nicht freigestellt ist. Ich werde, da der Hintergrund schwarz ist, einfach meinen Zauberstab benutzen, um den Hintergrund auszuwählen.

Schritt 2: Auswahl verkleinern und einen Arbeitspfad erstellen

Da die Auswahl bis dicht an die Person herangeht, verkleinere ich die Auswahl noch über das Menü Auswahl>Auswahl verändern>Verkleinern um {ZEILENUMBRUCH}10 Pixel. Hinweis: Es ist in jedem Fall sinnvoll, die Auswahl auf die Größe des gewünschten Textrahmens zu begrenzen. Mit Alt und dem Auswahlwerkzeug kann ich Auswahlen verkleinern und mit Shift und Auswahlwerkzeug vergrößern. Daher sollte ich noch vor der Erstellung des Arbeitspfades die Auswahl auf die Textrahmengröße hin optimieren.

Jetzt öffne ich mein Pfadfenster und erstelle aus der Auswahl einen Arbeitspfad mit Klick auf das entsprechende Symbol.

Schritt 3: Text einfügen

Im letzten Schritt klicke ich mit dem Textwerkzeug einfach in die Form und füge meinen Text ein bzw. schreibe den gewünschten Text. Der Arbeitspfad bildet jetzt den Textrahmen für den Text.

Über mein Textwerkzeug kann ich den Textrahmen dennoch bearbeiten. Ergebnis: Der Text umfließt linksseitig elegant die Person.

3. Text auf einem Pfad

Einen Text entlang einem Pfad zu platzieren, ist recht einfach.

Schritt 1: Pfad aufziehen

Mit dem Zeichenstiftwerkzeug ziehe ich einfach den gewünschten Pfad, auf dem der Text platziert werden soll.

Schritt 2: Text platzieren

Mit dem Textwerkzeug gehe ich an den Pfad, sodass sich eine leicht gepunktete Linie zeigt. Jetzt kann ich auch schon lostippen.

Schritt 3: Textformationen

Textformationen kann ich über das Zeichenbedienfeld nach wie vor vornehmen.

Mit dem Direktauswahlwerkzeug kann ich meinen Textpfad auch anfassen und den Anfangspunkt des Textflusses verschieben sowie bestimmen, ob der Text oberhalb oder unterhalb des Pfades angezeigt werden soll.

Schritt 4: Pfad über die Formwerkzeuge

Auch über die Formwerkzeuge kann ich Pfade anlegen. Ich erstelle im Pfade-Bedienfeld einen neuen Pfad und ziehe mit einem Formwerkzeug, in diesem Beispiel mit dem Eigene-Form-Werkzeug, eine Handform auf.

Jetzt kann ich auch darin meinen Text platzieren.

Schritt 5: Pfad aus Auswahlen erstellen

So kann ich auch aus Bildern Auswahlen erstellen und diese in einen Pfad umwandeln, um sie für typografische Textflüsse zu nutzen.

Mit dem Schnellauswahlwerkzeug wähle ich ich den Hintergrund auf diesem Bild (Bildquelle: iofoto – Fotolia.com) aus. Ich kehre die Auswahl mit Shift+Strg+I um und erstelle aus der Auswahl einen Arbeitspfad. Diesen nutze ich wieder für meinen Text.

Schritt 6: Konturakzentuierungen mit Typografie

Gleiches geht auch bei Bildern, die farblich etwas vielschichtiger sind, wie dieses Baumbild (Bildquelle: archaeopteryx_stocks).

Mit dem Schnellauswahlwerkzeug wähle ich den Baum aus und erstelle aus der Auswahl wieder einen Arbeitspfad: Ich klicke auf das Arbeitspfad aus Auswahl erstellen-Symbol im Pfadbedienfeld. Nun kann ich auch diesen Pfad für meinen Text nutzen.

4. Texte mit Bildern gruppieren über eine Schnittmaske

Der Klassiker schlechthin bei den Typoeffekten ist die Füllung eines Textes mit einem Muster, einer Textur oder einem Bild. Das Bild, das füllend in meinem Text angezeigt werden soll, platziere ich in mein Dokument direkt oberhalb meiner Textebene im Ebenenbedienfeld.

Mit dem Shortcut Strg+Alt+G oder mit Alt und Klick zwischen Text- und Bildebene lege ich die Schnittmaske an. Jetzt zeigt sich das Bild nur noch dort, wo der Text steht. Es ist in der Ansicht beschnitten auf den Inhalt der darunterliegenden Ebene.

Diesen Texteffekt sieht man häufiger, ganz einfach ohne Fülloptionen auf schwarzem oder weißen Hintergrund, auf Produktkatalogen, auf Flyer und Co. mit einem Lifestyle-Hintergrund – kürzlich erst gesehen auf einem Produktkatalog eines Fernsehherstellers. Auch “Die Buy And Hold Bibel” von Gerd Kommer hat diesen einfachen Effekt auf dem Buchcover.

Gern wird der Schnittmaskeneffekt eingesetzt mit Materialtexturen. Die Fülloptionen (Abgeflachte Kante/Relief mit Schlagschatten und Co.) sorgen dann für einen Marmortext, einen Metalltext oder dergleichen, womit beim Fachmarkt von nebenan die neuesten Steinkollektionen des Anbieters xy angepriesen werden.

5. Konturenfüllung mit Pinselvorgaben über Arbeitspfade

Eine sehr einfache, aber effektive Technik ist es, Textkonturen mit Pinselvorgaben zu füllen.

Schritt 1: Schriftart auswählen, Text schreiben und Arbeitspfad erstellen

Als Erstes suche ich mir einen Font, der möglichst breit ist. Ich schreibe mit einer 120-Punkt-Franklin Gothic Heavy die Buchstaben PSD in mein Dokument.

Mit Rechtsklick auf die Textebene im Ebenenbedienfeld>Arbeitspfad erstellen kann ich aus meinem Text einen Arbeitspfad erstellen. Dieser ist hinterlegt im Pfade-Bedienfeld.

Schritt 2: Pinselvorgabe einstellen

Die Textebene kann ich ausblenden. Im Pinselvorgaben-Bedienfeld wähle ich eine Pinselspitze aus, die füllend als Kontur zu meinem Text eingesetzt werden soll. Ich wähle einen Blattpinsel aus.

Mit F5 öffne ich das Pinsel-Bedienfeld. Darin kann ich die Form meines Pinsels einstellen.

Ich wähle in:

• dem Register Pinselform einen Abstand von 60 Prozent bei einer Größe von 40 Px. Diese Einstellung ist bei meiner Textgröße optimal, damit der Abstand der einzelnen Pinsel fließend im Übergang ist.

• den Formeigenschaften einen Winkel-Jitter von 25 Prozent. Das sorgt für eine Drehung meiner Pinselvorgabe.

• den Farbeinstellungen 12 Prozent beim Farbton-Jitter und 12 Prozent beim Helligkeits-Jitter. Dadurch erhalte ich im roten Farbton eine ansprechende leichte Unregelmäßigkeit, was einen schönen Herbsteffekt in der Schrift hervorruft.

Schritt 3: Arbeitspfad aktivieren und neue Ebene erstellen

Nun erstelle ich eine neue Ebene und aktiviere den Arbeitspfad im Pfade-{ZEILENUMBRUCH}Bedienfeld. Mit Klick auf das zweite Icon in der Fußleiste des Pfade-Bedienfeldes fülle ich die Pfadkontur mit dem eingestellten Pinsel. Wichtig ist, dass das Pinselwerkzeug ebenfalls aktiviert ist.

Wenn ich den Pinsel noch etwas in der Größe anhebe, ergibt sich eine angenehme Größenvariation des Effekts. So lässt sich über die Pinseleinstellungen die Konturfüllung effektreich den jeweiligen Bedürfnissen anpassen. In diesem Beispiel mit einem eher herbstlichen Anstrich.

Schritt 4: Variation in der Pinselvorgabe

Wenn ich jetzt einen Blütenpinsel als Vorgabe nutze und den Farbton-Jitter prozentual noch ein wenig nach oben ziehe, erhalte einen leichten, aber schönen Sommereffekt.

Schritt 5: Weiterbearbeitung

So lassen sich mit Konturfüllungen auf einfache Weise schnelle Typoeffekte umsetzen. Der bisherige Effekt bedarf in der Regel aber sicher noch der einen oder anderen Weiterbearbeitung, damit er als Ganzes attraktiv ausschaut.

Eine mögliche Weiterbearbeitung für einen herbstlichen Look könnte sein, dass ich einfach den Innenbereich des Textes mit meinem Blatt-Pinsel in einer neuen Ebene fülle und die vorab angelegte Pinselkontur mit Strg und Klick auf die Ebenenminiatur dieser Ebene auswähle und als Ebenenmaske zu meiner neuen Ebene verwende.

So nutze ich die vorherige Kontur als Ebenenmaske und erhalte damit auch einen Kontureffekt für meinen Text.

Das Video zu “Fünf Quickys für klassische Typo-Effekte” findest Du hier.

Der Klassiker schlechthin sind Scanlines, die in vertikaler, diagonaler oder horizontaler Form in einem Flyerhintergrund platziert werden.

Schritt 1: Neues Dokument erstellen

Um so einen Hintergrund zu erstellen, benötige ich einfach ein passendes Muster, welches mir die Scanlinien in mein Bild einfügt. Ich erstelle dazu ein neues Dokument (Strg+N) mit den Maßen 4×4 Pixel. Der Hintergrund ist transparent.

Ein bisschen Reklame in eigener Sache:

Schritt 2: Scanlinienmuster auswählen

Ich zoome so weit wie möglich in mein Dokument herein.

Mit dem Auswahlwerkzeug wähle ich nun genau vier Auswahlquadrate aus, die sich in diagonaler Weise von links unten nach rechts oben bewegen. Um einer bestehenden Auswahl eine weitere hinzuzufügen, halte ich beim Aufziehen die Shift-Taste gedrückt.

Schritt 3: Auswahl mit Schwarz füllen

Ich stelle mit D die Standardfarben in der Werkzeugleiste ein, sofern diese noch nicht eingestellt sind, und fülle mit Alt+Rückstelltaste die schwarze Vordergrundfarbe in meine Auswahlfelder.

Schritt 4: Als Muster festlegen

Die Auswahl kann ich mit Strg+D aufheben. Ich wähle im Menü Bearbeiten>Muster festlegen. Im sich öffnenden Dialogfenster gebe ich meinem neuen Muster den Namen „Scanline diagonal“.

Schritt 5: Scanlinie einsetzen

In einer neuen Ebene in meinem Flyer fülle ich nun mit dem Füllwerkzeug mein Scanlinemuster ins Dokument. Die Einstellung in der Menüleiste steht auf Muster. Im Auswahlmenü wähle ich mein soeben festgelegtes Muster aus. Nun klicke ich einfach ins Dokument.

Bei Bedarf kann ich die Deckkraft noch herunterregeln. In diesem Beispiel setze ich die Deckkraft auf 25 Prozent.

Schritt 6: Variation für vertikale und horizontale Scanlines

Möchte ich statt diagonaler Scanlines lieber gerade Scanlines nach oben oder unten, kann ich diese ganz leicht mit einem eigenen Muster anlegen.

Für vertikale Scanlines ist mein Musterdokument: 4×1 Pixel

Für horizontale Scanlines ist mein Musterdokument: 1×4 Pixel

Einen schwarzen Punkt setze ich einfach ins Dokument, wie oben beschrieben. Anschließend lege ich die Muster über das Menü Bearbeiten fest. In diesem Beispiel wurde die Ebene mit den horizontalen Scanlines in den Modus Ineinanderkopieren gesetzt.

Möchte ich die Abstände der Linien zueinander verkürzen oder verknappen, muss ich einfach das Seitenmaß der Musterdatei entsprechend anpassen. Für breitere Abstände wähle ich ein Seitenverhältnis von 5:1, 6:1 oder mehr, für kleinere Abstände von 3:1 oder 2:1.

Ganz intuitiv kann ich dazu auch einfach mit dem Freistellungswerkzeug das Dokument vergrößern. Dadurch vergrößert sich das Seitenverhältnis, wie ich es mag.

Schritt 7: Skalierungen von Scanlines

Der Einsatz des Musters kann auch als Musterüberlagerung erfolgen. Ich erstelle dazu eine neue Ebene mit Strg+Shift+Alt+N und fülle diese mit einer beliebigen Farbe. Den Flächeregler setze ich auf 0 Prozent. In den Fülloptionen wähle ich das Register Musterüberlagerung. Dort kann ich mein soeben festgelegtes Muster aufrufen. Dieses Muster kann ich skalieren und damit den Scanline-Look noch ein wenig optimieren.

Exkurs: Scanlines-Fotoeffekt

Unser Moderator Mosh hat in einem Tutorial einen Quicky vorgestellt, wie ein scanlinesähnlicher Effekt in Fotografien peppig wirken kann.

Beispiel: Leuchtturmbild – Bildquelle: Denis Pepin @ Fotolia.com

Als Erstes dupliziere ich meine Hintergrundebene mit Strg+J. Mit dem Auswahlwerkzeug: Einzelne Spalte wähle ich mir eine Pixelspalte in einem prägnanten Teil meines Bildes aus.

Mit Strg+T kann ich meine Auswahl transformieren. Den Auswahlrahmen ziehe ich nach links und rechts an den Bildrand.

Die Auswahl kann ich mit Strg+D aufheben. Die Füllmethode ändere ich in Luminanz bei 30 Prozent Deckkraft.

Die Ebene dupliziere ich mit Strg+J und setze das Duplikat in den Ebenenmodus Weiches Licht bei 30 Prozent Deckkraft.

Als Vorletztes kann ich meiner Hintergrundebene über das Menü Filter>Objektivkorrektur noch eine Vignette hinzufügen. Ich wähle eine Stärke von -100 bei einem Mittenwert von +20. Zum Abschluss füge ich noch einen kurzen Text „Rügen 2010“ mit einer 150-Pt-Jellyka in Schwarz hinzu.

Das mal als kleiner Quicky zu einem Fotoeffekt. Einfach ausprobieren und mit den Füllmethoden experimentieren.

2. Gepunktet und mit Relief

Schritt 1: Einfach gepunktet

In gleicher Weise, wie Scanlines erzeugt werden, kann ich mir als Flyerhintergrund auch gepunktete Muster anlegen. Dazu erstelle ich mir einfach ein neues Dokument in der Größe 4×4 Pixel.

Mit dem Auswahlwerkzeug wähle ich mir die vier Pixel unten rechts aus und fülle diese mit Schwarz. Anschließend lege ich das Muster fest über das Menü Bearbeiten.

Im Modus Ineinanderkopieren bei 70 Prozent Deckkraft ergibt sich dadurch auch eine schnelle Möglichkeit, einen interessanten Background für Flyer einzusetzen.

Schritt 2: Gepunktet mit Relief

Eine Steigerung des gepunkteten Looks erreiche ich, indem ich ein Pixelrelief anlege.

Hier erstelle ich als Erstes ein neues Dokument in der Größe 3×3 Pixel. Den mittleren Pixel fülle ich mit schwarzer Farbe. Die beiden benachbarten Pixel jeweils unten und rechts erhalten ein 50%iges Grau. Den Pixel unten rechts fülle ich mit 80 Prozent hellem Grau.

Im Modus Ineinanderkopieren bietet die Reliefoptik eine weitere interessante Möglichkeit, Flyerelemente zu gestalten.

Schritt 3: Kreismosaik

Ich erstelle noch ein neues Dokument in der Größe 20×20 Pixel. Der Hintergrund ist auch hier transparent.

Mit dem Ellipse-Werkzeug ziehe ich mit gehaltener Shift-Taste (die sorgt dafür, dass mein Kreis auch kugelrund ist) einen Kreis ins Dokument. Die Farbe ist Schwarz – das ist aber nicht wirklich wichtig.

Der Kreis wird dann ebenso als Muster festgelegt und kann als Hintergrundeffekt eingesetzt werden. Alternativ kann ich dazu auch einfach den Kreis transparent lassen und die Außenbereiche schwarz färben. Dadurch lassen sich auch Fotografien sehr schön gestalterisch akzentuieren.

3. Rasterungseffekte

Schritt 1: Rasterungsfilter als Alternative zur Musterfestlegung

Die Möglichkeit, gepunktete Backgrounds über Muster zu erstellen, gibt es auch ohne den Umweg der Musterfestlegung.

Ich erstelle eine neue Ebene und fülle diese mit 50%igem Grau. Den Modus setze ich auf Ineinanderkopieren.

Nun öffne ich den Filter Rasterungseffekt über das Menü Filter>Zeichenfilter.

Die Musterart ist Punkt bei einer Größe von 1 und einem Kontrast von 30. Es empfiehlt sich, zur Bestimmung des Kontrasts weit in die Vorschau reinzuzoomen (400 Prozent macht sich gut).

Ich bestätige mit OK. Fertig ist mein gepunktetes Raster.

Schritt 2: Variation mit Kreisen und Linien

Alternativ zur Musterart Punkt finde ich im Filter Rasterungseffekt noch den Kreis und Linien. Auch diese beiden Musterarten sind sehr schöne Möglichkeiten für einfach gehaltene Flyerbackgrounds.

Beispiel für horizontale Linien:

Schritt 3: Transformationen bei Linien

Der Nachteil an der Generierung von Rasterungseffekten über den Filter besteht darin, dass ich nicht wirklich weitreichende Variationsmöglichkeiten in der Größe habe. Möchte ich sehr feine Linien im Bild haben, stoße ich bei diesem Filter an meine Grenzen. Es bleibt mir dann nur übrig, entweder den Rasterungseffekt in einem größeren Dokument auszuführen, in mein aktuelles Dokument zu duplizieren und über Strg+T zu verkleinern.

Gleiches kann ich auch machen, indem ich einfach die bestehende Ebene von vornherein über Strg+T verkleinere, mit Strg+J dupliziere und entsprechend in der entstandenen Lücke einsetze.

Fazit: Der Filter Rasterungseffekt ist in der Lage, mir schnellste Lösungen für geschmeidige Flyerbackgrounds zu reichen. Für feinst abgestimmte Abstände von Linien und Punkten komme ich an den Mustern aber nicht vorbei.

Beispiel für Kreise:

4. Gitter und Linienmuster

Zur Präsentation von Produkten, Logos oder Typoelementen bietet es sich manchmal an, dem Flyer ein effektreiches Gitter oder Muster in den Hintergrund zu stellen. Hierzu möchte ich zwei mögliche Wege zeigen, wie sich auf einfache Weise interessante Backgrounds erstellen lassen.

4.1 Linienmuster mit Scheineffekt

Im ersten Beispiel zeige ich die Erstellung eines Linienmusters mit Scheineffekt.

Schritt 1: Neues Dokument

Ich erstelle ein neues Dokument in der Größe 1200 x 800 Pixel. Der Hintergrund ist schwarz.

Schritt 2: Zwei neue Ebenen erstellen

Mit Strg+Shift+Alt+N erstelle ich eine neue Ebene. Den Shortcut führe ich gleich zweimal aus.

Schritt 3: Linienfläche auswählen und mit weißer Farbe füllen

Mit dem Lassowerkzeug wähle ich den ungefähren Bereich meines Linienmusters aus. Es ist dabei die oberste Ebene aktiviert. Die Auswahl fülle ich mit weißer Farbe.

Schritt 4: Weichzeichnen

Ich rufe über das Menü Filter>Weichzeichnungsfilter den Gaußschen Weichzeichner auf.

Der Radius muss so gewählt werden, dass die Kanten schön weichgezeichnet werden. In meinem Beispiel passen ca. 50 Pixel sehr gut.

Schritt 5: Sprenkeln

Den Ebenenmodus stelle ich auf Sprenkeln.

Schritt 6: Mit darunterliegender Ebene auf eine reduzieren

Um den gesprenkelten Effekt zu bewahren, aber dennoch in den Ebenenmodus Normal zurückzukehren, markiere ich die Ebene mit der darunterliegenden und reduziere sie über den Shortcut Strg+E auf eine.

Schritt 7: Bewegungsunschärfe

Ich wähle über das Menü Filter>Weichzeichnungsfilter den Bewegungsunschärfe-Filter auf.

Dort wähle ich einen mittleren Abstand von ca. 275 Pixel, um aus meinen Sprenkeln einen linienförmigen Effekt zu erstellen.

Schritt 8: Ebene duplizieren und Rasterungseffekt

Im nächsten Schritt dupliziere ich die Ebene, reduziere die Deckkraft auf 50 Prozent und öffne über das Menü Filter>Zeichenfilter den Rasterungseffekte-Filter.

Ich stelle die Musterart auf Linie mit einer Größe von 1 und einem Kontrast von 0.

Schritt 9: Filterwirkung einfärben

Ich erstelle eine Einstellungsebene Farbton-Sättigung. Um meinen Linieneffekt einzufärben, aktiviere ich die Checkbox Färben.

• Farbton: 224 für den Blauton

• Sättigung: 39

• Helligkeit: -10 bis 0 – je nach vorliegender Optik

Der Background ist fertig und kann einem Logo, einem Text oder Ähnlichem zugeordnet werden:

Schritt 10: Transformieren

Die beiden Linienebenen markiere ich und konvertiere sie anschließend in ein Smart-Objekt. Über Strg+T kann ich die Ansicht noch ein wenig dynamischer gestalten, indem ich die Linien von links unten nach rechts oben laufen lasse.

Schritt 11: Logo und Anschnitt anpassen

Mein Logo färbe ich über eine Farbüberlagerung in den Fülloptionen schwarz und stelle einen Schein nach außen in Weiß bei 75 Prozent Deckkraft und 35 Px Größe im Modus Farbig abwedeln ein.

Mit dem Freistellungswerkzeug kann ich meine Dokumentgröße noch beliebig anpassen.

4.2 Gittermuster

Ein Gittermuster macht sich als Hintergrundelemente sehr gut in einem Flyer. Dabei kann es in der Gänze im Hintergrund oder als unterstreichendes Designelement eingesetzt werden.

Schritt 1: Muster erstellen

In einem neuen Dokument mit der Größe 50×50 bei transparentem Hintergrund ziehe ich mit dem Auswahlwerkzeug oben und links einen schmalen Auswahlstreifen. Ich fülle diese Auswahl mit weißer oder schwarzer Farbe.

Anschließend speichere ich das Muster über das Menü Bearbeiten>Muster festlegen.

Schritt 2: Gitter als Hintergrundmuster

Das Muster kann ich als ganz normales Hintergrundelement einsetzen, indem ich eine neue Ebene mit dem Muster mit dem Füllwerkzeug fülle.

Möchte ich breitere Gitter, kann ich das einfach über die Fülloptionen machen, indem ich dem Gitter eine Kontur in gleicher Füllmethode verpasse.

Soll das Gitter stattdessen größer oder kleiner sein, ist es sinnvoll, eine Ebene mit einer beliebigen Farbe zu erstellen, den Flächeregler auf 0 zu stellen und eine Musterüberlagerung mit dem Gittermuster in den Fülloptionen einzustellen. Dort kann ich dann das Gitter nach Bedarf skalieren.

Für eine optimale Weiterbearbeitung kann ich meine Musterüberlagerung über Rechtsklick auch als eigene Ebene ausgeben.

Schritt 3: Gitter als Gestaltungselement

Ein Gitter lässt sich auch prima als Gestaltungselement einsetzen.

In diesem Beispiel (Bildquelle: Mike Liu – Fotolia.com) soll der Lichtschein noch mehr Dynamik erhalten. Daher füge ich in einer neuen Ebene mit dem Füllwerkzeug das Gittermuster ein.

Über Strg+T>Verkrümmen passe ich mein Gitter dem Lichtscheinverlauf an. So erhält der Lichtschein einen dynamischen Zusatzeffekt.

Stelle ich in den Fülloptionen einen weißen Schein nach außen mit einer Größe von 20 Pixel im Modus Farbig abwedeln ein, so scheint der Effekt noch zusätzlich auf angenehme Weise.

In dem Leuchtturmbild kann ich die maritime Stimmung noch unterstreichen, indem ich mit einem Gitter eine Welle simuliere. Auch hier füge ich mein Gitter in einer neuen Ebene ein und verkrümme es zu einer Wellenoptik.

Dem Gitter gebe ich über die Fülloptionen noch eine weiße Kontur außen mit einer Größe von 1 Pixel. Damit wird das Gitter etwas dicker.

Und so, wie sich das Gitter in der Form über Verkrümmen variieren lässt, kann ich auch Raster, Linien und Kreise über Transformationen und Ebenenmasken in der Ansicht akzentuieren. Bei Linienmustern kann ich sogar Sinedots simulieren.

In diesem Beispiel habe ich ein Kreisraster eingefügt und über eine Ebenenmaske in der Ansicht auf den Innenbereich begrenzt, sodass sich eine Art Funkeffekt an der Leuchtturmspitze ergibt.

5. Endlosmuster und nahtlose Kacheln

Endlosmuster und nahtlose Kacheln werden häufig für Flyer- und Websitehintergründe eingesetzt. Im letzten Teil meines Tutorials möchte ich mehrere Herangehensweisen zur Endlosmustererstellung zeigen.

5.1 Das einfache Endlosmuster

Ich habe einen Bildausschnitt, den ich gern als Endlosmuster anlegen möchte. Bei texturierten Bildern gelingt es mir sehr häufig, ein Muster ohne sichtbare Anschlüsse zu erstellen. Wichtig ist nur, dass mir die Auswahl gelingt.

Schritt 1: Musterbereich auswählen

In meinem Beispiel möchte ich ein Endlosmuster aus dieser Textur anlegen. Mit Strg+A wähle ich den gesamten Bildbereich aus. Da – auch bei der CS5 – die Möglichkeit, Auswahlen zu verändern, über das Menü Auswahl ausgegraut ist, nehme ich einen alternativen Weg, eine exakte Auswahl zu erstellen.

Nach Rechtsklick>Auswahl transformieren erscheinen in der Menüleiste mehrere numerische Eingabefelder. Darin setze ich meine Auswahl in der Höhe und Breite auf jeweils 70 Prozent. Anschließend bestätige ich mit Enter.

Schritt 2: Auswahl kopieren und einfügen

Mit Strg+C & Strg+V kann ich meine Auswahl kopiert in eine neue Ebene einfügen.

Schritt 3: Muster freistellen und als Muster festlegen

Mit dem Freistellungswerkzeug stelle ich das Muster frei. Über das Menü Bearbeiten kann ich das Muster festlegen.

Schritt 4: Einsatz als Hintergrund

Ich erstelle in meinem Flyer eine neue Ebene und fülle diese mit einer beliebigen Farbe. Den Flächeregler setze ich auf 0 Prozent. In den Fülloptionen ordne ich meinem Flyer das zuvor festgelegte Muster im Register Musterüberlagerung zu.

Die Füllmethode setze ich auf Luminanz. Die Deckkraft wird auf einen unteren Wert reduziert. Mit dem Skalieren-Regler kann ich das Muster in der Größe variieren. Zur genauen Positionierung bietet es sich an, direkt mit der Maus im Dokument mein Muster an die richtige Stelle zu verschieben.

5.2 Das sich wiederholende Muster

Um diese typische „Tapetenoptik“ zu erhalten, die wiederkehrend als wiederholendes Muster in Website- und Flyerbackgrounds zu sehen ist, muss ich einen Verschiebungsfilter einsetzen.

Schritt 1: Form aufziehen und als Muster festlegen

Mit dem Eigene-Form-Werkzeug ziehe ich mir in einem Dokument mit der Größe 500 x 500 Pixel eine blumige Form auf, die zu meinem Tapetenmuster werden soll. Ich positioniere die Form genau mittig im Dokument. Anschließend lege ich meine Blumenform als Muster fest.

Schritt 2: Versatz einstellen

Der Tapetenlook ist an sich noch nicht komplett, auch wenn ich schon das Muster sich wiederholend einsetzen könnte. Es fehlt der Versatz. Um diesen zu erreichen, erstelle ich ein neues Dokument in doppelter Größe zum vorangegangenen, d.h. in 1000×1000 Pixel.

Ich fülle eine Ebene mit meinem Muster. Es zeigen sich vier Elemente. Mit dem Auswahlwerkzeug wähle ich eine Spalte des Musters aus.

Über das Menü Filter>Sonstige Filter>Verschiebungseffekt stelle ich eine vertikale Verschiebung des Effekts ein. Ich wähle die Pixel so, dass die obere Kante genau an der unteren anschließt.

Im Anschluss lege ich dieses Muster über das Menü Bearbeiten als Muster fest und kann es in meinem Flyer als Background einsetzen. Auch hier ist das Muster als Musterüberlagerung zu einer grauen Ebene platziert im Modus Luminanz bei 20 Prozent Deckkraft.

5.3 Nahtlose Kacheln bei Texturen

So einfach wie im ersten Beispiel klappt es natürlich nur selten, ein Muster ohne sichtbare Anschlussstellen zu generieren.

Es lassen sich aber auch unregelmäßige Texturen nahtlos kachelbar machen. Dazu setze ich wieder den Filter Verschiebungseffekt ein und repariere im Anschluss die sichtbaren Kanten.

Schritt 1: Verschiebungseffekt anwenden

Meine Textur hat eine Größe von 1000 x 1000 Pixel. Wenn ich diese als Muster festlegen und in einem größeren Dokument anwende, sehen die Übergänge folgendermaßen aus:

Ich kehre zurück zu meiner Texturdatei mit der Originalgröße 1000×1000 Pixel. Über das Menü Filter>Sonstige Filter wähle ich den Filter Verschiebungseffekt. Dort stelle ich eine horizontale und vertikale Verschiebung von genau der Hälfte ein, d. h. in beiden Fällen von 500 Pixeln.

Schritt 2: Sichtbare Naht reparieren

Nun ist die sichtbare Naht in der Mitte genau zu sehen.

Seit CS5 gibt es die Funktion des inhaltssensitiven Reparierens im Bereichsreparaturpinsel. Mit dem Bereichsreparaturpinsel markiere ich bei weicher Pinselspitze die Nahtstellen. Die Checkbox Inhaltssensitiv ist aktiviert.

Die Nahtstellen werden jetzt automatisch repariert. Es kann vorkommen, dass ich mehrmals ansetzen muss.

Am effektivsten zum Reparieren von Kanten ist aber m.E. nach wie vor das Ausbessern-Werkzeug, das auch Anwender, die noch nicht die CS5-Version nutzen, einsetzen können. Bei aktivierter Quell-Checkbox wähle ich einfach die Nahtstellen aus und ziehe die Auswahl in einen sauberen Bereich hinein. Es erfolgt eine Verrechnung von Farbton, Sättigung, Helligkeit und Kontrast und die sichtbare Naht wird überzeugend repariert.

Ist die sichtbare Naht repariert, lege ich mein Muster über das Menü Bearbeiten fest.

Schritt 3: Nahtloses Kachelmuster einsetzen

Ich erstelle eine neue Datei in der Größe 2000×2000 und kann jetzt mit dem Füllwerkzeug meine nahtlos gekachelte Textur einsetzen.

Gerade Texturen sind sehr ergiebig, wenn Alterungseffekte, Grunge-Effekte etc. in Bildern eingefügt werden sollen. Siehe Bild unten (Bildquelle: Lev Dolgatsjov – Fotolia.com).

Daher bietet es sich bei sehr großen Dokumenten an, einfach ungekachelte Texturen nahtlos kachelbar zu machen. In diesem Beispielbild wurde die oben gezeigte Textur im Modus Ineinanderkopieren als Überlagerung ins Bild platziert und mit einer Einstellungsebene Farbton/Sättigung als Schnittmaske ein wenig entsättigt.

Das Video zu diesem Training fidest Du hier.

Der Alterungseffekt ist im Grunde eine Fotomontage aus 2 Fotos mit ähnlichen Merkmalen. Diese beiden Bilder werden im Laufe der Bearbeitung zu einem neuen Bild zusammenschmelzen. Ziel ist es, eine neue Person zu definieren – das gealterte Model.

Ein bisschen Reklame in eigener Sache:

Schritt 1 – Haare ergrauen lassen per Einstellungsebene und Maske

Unser junges Model hat im Ausgangsbild noch die natürliche Haarfarbe, die ich nun im ersten Schritt ändern möchte.

Dazu muss ich die Haare ergrauen lassen. Das funktioniert besonders gut bei blonden Haaren und wird mittels einer Einstellungsebene Farbfläche und einer Ebenenmaske realisiert. Zunächst einmal lege ich ein neue Einstellungsebene Farbfläche an und fülle diese mit einem neutralen Grauwert. Die Werte für Rot, Grün und Blau sind dazu auf 157 einzustellen.

Schritt 2 – Ebenenmaske schwarz umfärben und die Haare freistellen

Die gerade angelegte graue Einstellungsebene überdeckt nun unser gesamtes Bild. Damit ich die darunterliegende Ebene sehen kann, färbe ich die Ebenenmaske nun um und fülle diese mit Schwarz. Ich achte dabei auf die korrekte Markierung der Maske in der Ebenenpalette, da ich sonst das Bild und nicht die Maske einfärben würde.

Ist die Maske umgefärbt, kann ich nun mit einem weißen Pinsel mittlerer Größe und hoher Deckkraft die Haare färben, indem ich die Bereiche auf der Ebenenmaske freilege.

Schritt 3 – Feinheiten der Haare bearbeiten und Ebene auf den Modus “Farbe” setzen

Damit sich die Haare tatsächlich grau darstellen, muss ich die Ebene nach der Freistellung der Haare in den Modus Farbe versetzen. Zuvor jedoch bearbeite ich auch die kleinsten Haardetails möglichst sorgfältig mit einer angepassten Pinselspitzengröße und geeigneter Deckkraft.

Schritt 4 – Kontrast der Haarfläche erhöhen

Damit ich mehr Kontrast in der Haarfläche erhalte, lege ich eine weitere Einstellungsebene an. Zunächst jedoch benötige ich eine Auswahl meiner Haare bzw. meiner Haarfläche. Diese Auswahl erhalte ich, indem ich bei gedrückter Strg-Taste die Maske der Farbfüllungsebene anklicke.

Dazu wähle ich mir die Einstellungsebene Tonwertkorrektur aus und modifiziere die Regler so, dass ein deutlicher Kontrastanstieg im Bereich der Mitteltöne stattfindet.

Schritt 5 – Referenzbild öffnen und anpassen

Im nächsten Schritt öffne ich das Referenzbild, aus dem heraus ich die Gesichtsbestandteile extrahieren möchte. Bevor das jedoch geschieht, werde ich die Hautfarbe an mein Ausgangsbild anpassen. Dazu wähle ich mit dem Auswahlwerkzeug eine Hautfläche aus, die ich dann farblich anpassen werde.

Dieses Stück Haut platziere ich nun im Gesicht meines Models und passe es durch die Korrektureinstellung Farbton/Sättigung an die Hautfarbe meines Ausgangsbildes an. Dazu erhöhe ich den Farbton etwas und verringere die Sättigung. Die so vorgenommenen Einstellungswerte benötige ich gleich noch einmal, weshalb ich mir diese zunächst notiere.

Ich wechsele nun zu meinem Bild mit der älteren Dame und stelle dort über eine Einstellungsebene Farbton/Sättigung meine zuvor notierten Werte ein, um den Hautton gesamtheitlich anzupassen.

Schritt 6 – Referenzbild in das Arbeitsdokument ziehen und die Größe anpassen

Nun wurde der Farbton der Haut an das Model angepasst und ich kann das Bild, nachdem ich alle Ebenen durch Drücken der Tastenkombination Strg+Alt+E zusammengefasst habe, in mein Arbeitsdokument übertragen.

Damit ich die Größe der Bilder aneinander anpassen kann, stelle ich die Ebene der älteren Dame auf den Modus Differenz. So überlagern sich beide Bilder mit den Konturen.

Nun passe ich das Bild in der Größe an mein zu modellierendes Model an. Dazu verwende ich das Transformationswerkzeug. Als Referenzpunkte für die gleiche Größe ziehe ich die Augen und den Mund heran.

Schritt 7 – Transplantation von Gesichtsteilen

Im nächsten Schritt beginnen wir bereits mit der Transplantation erster Gesichtsteile. Dazu wähle ich mir aus dem Gesicht der älteren Dame die rechte Stirnhälfte aus.

Durch Drücken der Tastenkombination Strg+C & Strg+V kopiere und füge ich diesen Ausschnitt auf eine neue Ebene ein.

Schritt 8 – Einpassen der kopierten Gesichtsteile

Das so kopierte Gesichtsteil passt noch nicht ganz zum Gesicht der jungen Frau. Deshalb ist eine Anpassung mittels Ebenenmasken nötig. Ich wähle mir einen weichen Pinsel und arbeite bei variierender Größe und Deckkraft die Ränder der “Schnipsel” so aus, dass diese einen fließenden Übergang zum Gesicht der jüngeren Dame erhalten.

Schritt 9 – kopierte Haarteile anpassen

Mit den Kopien aus der Ebene der älteren Dame übernehmen wir zum Teil auch deren Haare. Frisuren aus kopierten Fotos sind mitunter völlig anders als die unseres Models. In meinem Beispiel ähneln sie sich jedoch. Damit ich einen fließenden Übergang zur bestehenden Haarpracht und dem eingefügten Haarteil erreiche, arbeite ich hier mit meiner Pinselspitze entlang des Haarverlaufes.

Schritt 10 – Duplikat der implantierten Stirnhälfte anlegen und spiegeln

Im nächsten Schritt ersparen wir uns das erneute Ausschneiden der Stirnpartie und duplizieren die eben eingefügte und bearbeitete Stirnhälfte lediglich. Diese Kopie spiegeln wir über die Transformationswerkzeuge.

Schritt 11 – Duplikat der Stirnhälfte anpassen

Da unser junges Model den Kopf nicht völlig gerade hält und wir hier auf verschiedene Perspektiven treffen, ist es nötig, die duplizierte Stirnhälfte mittels der Transformationswerkzeuge an den Kopfverlauf der jungen Dame anzupassen.

Dazu wähle ich mir das Werkzeug Bild>Transformieren>Perspektivisch verzerren aus und passe die Perspektive durch Verschieben der Anfasser an. Ich achte bereits hier auf einen natürlichen Faltenverlauf der Stirn, indem ich die Neigenfunktion während der Transformation benutze.

Auch hier müssen über die Ebenenmaske, die wir durch die Kopie mit übernommen haben, weitere Anpassungen vorgenommen werden. Insbesondere die Haare sind auf dieser Seite anders gelagert, die Übergänge von Stirn zu Haaransatz ist ebenfalls etwas verschoben. Ich belasse die überstehenden Haare im Gesicht an ihrer Stelle. So kann ich eine realistischere Veränderung im Gesamtbild durch eine Frisuranpassung im Alter erreichen.

Schritt 12 – Bereich der Wangen auswählen und einfügen

Nachdem wir die ersten Transplantationen vorgenommen haben, widmen wir uns nun dem Bereich der Wangen. Hier wähle ich diese großzügig aus und achte darauf, bereits an dieser Stelle gleichfalls Teile der Augenpartie mit zu übertragen. Nach dem Einfügen der Kopie benenne ich auch gleich die Ebenen um, damit ich im weiteren Verlauf meiner Bearbeitung nicht die Orientierung verliere.

Schritt 13 – Wangenbereich anpassen

Wie im vorangegangenen Schritt kann diese eingefügte Ebene dahin gehend modifiziert werden, dass wir Perspektive und Größe, aber auch beispielsweise die Deckkraft anpassen.

Für das Beispiel Wange greife ich zudem auf das Verkrümmen-Werkzeug (Bild>Bearbeiten>Transformieren>Verkrümmen) zu, um die ausgeschnittene Form an das Gesicht des Models anzupassen. Dazu ziehe ich die Anfasser soweit nach außen, dass hier die Rundungen vom Kieferbereich bedeckt werden.

Auch im Bereich der Nase und des Mundes achte ich bereits auf einen natürlichen Verlauf der Falten und passe gegebenenfalls die Form mittels des Verkrümmen-Werkzeuges an.

Nach dem Verkrümmen wird nun die Ebenenmaske aktiviert und darüber die Verblendung zum jungen Model vorgenommen. Ich benutze wieder einen weichen Pinsel mit variierender Größe und Deckkraft und blende mit schwarzer Vordergrundfarbe Teile des transplantierten Gewebes auf der Ebenenmaske aus. Ich achte insbesondere auf Details wie Wimpern und dem Übergang von Auge und Nase. Die Ebene “Wange” verschiebe ich im Ebenenstapel weiter nach unten.

Schritt 14 – weitere Gesichtsbereiche transplantieren – den Mund, das Kinn

Die wesentlichen Bearbeitungsschritte sind an dieser Stelle bereits genannt worden. Nun geht es darum, die restlichen Gesichtsbereiche ebenfalls zu erfassen und auf das Gesicht zu transplantieren. Nachdem ich auch die andere Wangenhälfte zwischenzeitlich eingefügt und angepasst habe, widme ich mich derweil dem Mund.

Diesen übernehme ich ebenfalls von der älteren Dame. Wahlweise kann hier auch auf die bestehende Mundstruktur der jungen Dame aufgebaut werden. Dazu müssten dann jeweils die Zähne und die Lippen separat bearbeitet werden. Einfacher geht es mit dem Einfügen der kompletten Mundpartie. Da die Zähne der älteren Generation nicht mehr so frisch wie bei einer 20-Jährigen wirken, wäre das nachträgliche Editieren aufwendiger.

Ich füge also wie eben beschrieben eine Kopie des gesamten Mundbereiches ein.

Ich stelle die Ebene wieder vorübergehend auf den Modus Differenz, damit ich die Überschneidungen besser sehen kann.

Ich versuche, den eingefügten Mund so anzupassen, dass dieser deckungsgleich mit dem der jungen Frau ist. Die Veränderung beim Alterungsprozess wäre ansonsten zu auffällig und das Bild würde mehr nach einer Montage ausschauen.

Schritt 15 – Mundbereich mit einer Ebenenmaske überblenden

Nun geht es darum, wie auch bei den anderen Gesichtsteilen einen entsprechenden Übergang zu schaffen, den ich wiederum mit einer Ebenenmaske realisiere. Dazu verwende ich erneut einen weichen Pinsel mit variierender Deckkraft und unterschiedlich großen Pinselspitzen. Die Besonderheit bei diesem Bearbeitungsschritt besteht darin, dass wir diesmal das Kinn überblenden müssen.

Schritt 16 – Augen

Jetzt kommt eine der spannendsten Schritte, denn mit der Auswahl der Augen versuchen wir uns an einem elementaren Schritt, der einen großen Einfluss auf die Wirkungsweise unseres Werkes ausübt, denn die Ausdrucksstärke der Augen ist bezeichnend für ein Porträt. Ich wähle also zunächst ein Auge der älteren Dame aus und füge eine Kopie in meiner Ebenenpalette ein. Dieses Fragment wird wie alle anderen Gesichtsteile über eine Ebenenmaske an den Untergrund angepasst.

Eventuell muss über weitere Bearbeitungsschritte wie Transformation eine Größen- bzw. Perspektivenanpassung vorgenommen werden. Ich kontrolliere die Lage des eingefügten Stückes wieder dadurch, dass ich den Ebenenmodus vorübergehend auf Differenz umstelle. Sollte die Platzierung meinen Vorstellungen entsprechen, kann ich mit der Bearbeitung der Ebenenmaske fortfahren.

Schritt 17 – Modifizieren des Halsbereiches

Im nächsten Schritt – nachdem wir nun die Augen wie beschrieben eingefügt und angepasst haben – folgt der Hals. Bei unserem jungen Modell sieht die Haut einfach noch zu glatt aus und ich möchte daher auf Teile des Halsbereiches von unserer älteren Dame zurückgreifen, um diesen Teil damit auszukleiden.

Das eingefügte Teilstück wird wiederum skaliert und – falls erforderlich – perspektivisch angepasst.

Die Ebene “Hals” lege ich in der Ebenenpalette unter die Ebene “Mund-Kinn”. Ich bearbeite die angelegte Ebenenmaske wie in den Schritten zuvor.

Ich muss bei diesem Bearbeitungsschritt darauf achten, dass die Haare der jungen Frau im Halsbereich noch sichtbar sind. Ich werde diese Bereiche daher mit einer kleinen Pinselspitze und bei reduzierter Deckkraft auf der Ebenenmaske freilegen.

Fehlende Bereiche des Halses müssen über weitere Teilkopien aufgefüllt werden. Auch hier wird der Übergang zur bestehenden Hautstruktur mittels einer Ebenenmaske hergestellt.

Schritt 18 – Haare ergrauen lassen

Mit dem Einfügen der Gesichtspartien sind auch weitere Haarstrukturen hinzugekommen, die jetzt noch in ihrer original Farbgebung erscheinen. Diese muss ich ebenfalls ergrauen lassen und dazu erneut in die unteren Ebenen aus der Haarbearbeitung wechseln. Diese verschiebe ich nun nach ganz oben in den Ebenenstapel. Dort editiere ich die Ebenenmasken entsprechend meiner abgeänderten Haarmenge.

Schritt 19 – Detaillierte Ausarbeitung

Zum endgültigen Ergebnis ist es nicht mehr weit. Lediglich ein paar wenige Details sollten noch ins Bild fließen. Ich werde beispielsweise nun den Abdruck einer Brille auf der Nase einzeichnen, da gerade ältere Personen oftmals eine Sehhilfe benötigen und ich so das gesamte Erscheinungsbild realistischer ausgestalte.

Ich reduziere die Ebenen auf eine neue Ebene mittels der Tastenkombination Strg+Alt+E als neue, zusammengefasste Ebene. Ich wähle den Nachbelichter bzw. Abwedler, um bestimmte Gesichtsdetails abzudunkeln bzw. aufzuhellen und variiere zwischendurch die Deckkraft und den Modus des Werkzeuges von Mitteltöne auf Tiefen und Lichter. Ich zeichne so auch im Bereich des Haaransatzes die Tiefen etwas dunkler.

Unser Bild ist nach diesen Bearbeitungsschritten fertig. Wer mag, darf natürlich weitere Änderungen wie beispielsweise Farbgebung und Tiefenbetonungen vornehmen.

Den “Alterungseffekt” kannst Du dir hier als Video ansehen.

Mit dem Dragan-Effekt, benannt nach dem polnischen Fotografen Andrzej Dragan, erhalten Porträts einen interessanten und unverwechselbaren Look. Wie man diesen Effekt in Adobe Photoshop nachempfinden kann, wird in diesem Tutorial erklärt. Während der Bearbeitung kommt ein Grafiktablett zum Einsatz. Die Nutzung wird für ein besseres Ergebnis empfohlen – ist jedoch nicht zwingend erforderlich.

Ich verwende als Ausgangsbild ein Foto einer Person mit deutlich gezeichnetem Gesicht. Das wirkt sich unterstützend auf den gezeigten Effekt aus, da bei dieser Bearbeitungsweise in besonderer Art und Weise auf die jeweiligen Gesichtszüge eingegangen wird.

Unser Ausgangsbild (links: Fotolia_21678831_M-© D. Ott – Fotolia.com. Rechts: © V. Kudryavtsev – Fotolia_3283580_M).

Das Resultat in Bildern:

Ein bisschen Reklame in eigener Sache:

Schritt 1: Geraderücken

Zunächst öffne ich das Bild und rücke es in die richtige Perspektive. Dazu bediene ich mich der klassischen Transformationswerkzeuge. Je nach Ausgangsbild sind das im Wesentlichen die Funktion Drehen oder Perspektivisch verzerren.

Danach beschneide ich das Bild mit dem Freistellen-Werkzeug.

Schritt 2: Tiefen und Lichter

Das Ausgangsbild wirkt noch sehr hell und etwas fad. Um dies zu ändern, benutze ich im Folgenden die Korrekturoption Tiefen/Lichter über das Menü Bild>Korrekturen. Je nach Ausgangsbild treffe ich verschiedene Einstellungen, um ein ausgewogeneres Gesamtbild zu erhalten.

Für mein verwendetes Foto nehme ich folgende Einstellungen vor:

Regler Stärke bei den Tiefen: ca. 30 %

Regler Tonbreite bei den Tiefen: ca. 40 %

Der Stärkeregler bei den Lichtern wird auf ca. 10 % gesetzt

Schritt 3: Einstellungsebene

Ich benutze für die weitere Optimierung eine Einstellungsebene. Dazu klicke ich in der Ebenenpalette auf das entsprechende Icon und wähle die Tonwertkorrektur aus.

Die Tiefen werden auf den Wert: 35,

die Mitteltöne auf 1,00 und

die Helligkeitswerte auf 215 gesetzt.

Nun verfüge ich über mehr Sättigung und Kontrast.

Merke: Der entscheidende Vorteil einer Einstellungsebene ist, dass sie jederzeit ohne die Veränderung der Originaldatei abgeändert bzw. angepasst werden kann.

Schritt 4: Monochrom

Ich möchte nun den Bearbeitungsstand sichern und füge auf einer neuen Ebene alle Arbeitsschritte zusammen. Dazu erstelle ich mir zunächst eine neue (leere) Ebene und benenne diese in „Zusammengefasst“. Bei markierter Ebene drücke ich die Tastenkombination Umschalt+Strg+Alt+E, um alle sichtbaren Ebenen auf dieser neuen zusammenzufassen. Diese neue Ebene wird anschließend über den Menüpunkt: Bild>Korrekturen>Sättigung verringern bearbeitet.

Schritt 5: Tonwerte

Ich füge erneut eine Einstellungsebene Tonwertkorrektur hinzu und verwende dabei die Werte (von links nach rechts):

Tiefen: 25

Mitteltöne: 1,00

Lichter: 235

Ich erziele dadurch einen höheren Tonwertumfang im Bild. Erneut füge ich alle sichtbaren Ebenen über die Tastenkombination Umschalt+Strg+Alt+E zusammen und benenne diese Ebene „Zusammengefasst 2“.

Schritt 6: Umkehren, Weichzeichnen und verblenden

Die Ebene „Zusammengefasst 2“ soll nun umgekehrt werden. Dazu drücke ich Strg+I auf meiner Tastatur.

Zusätzlich wende ich nun einen Weichzeichnungsfilter an. Den Radius setze ich dabei auf einen Wert zwischen 10 und 15 Pixeln in Abhängigkeit vom Ausgangsbild.

Die so entstandene weichgezeichnete Ebene versehe ich mit der Füllmethode Ineinanderkopieren und regle die Deckkraft etwas herunter.

TIPP: Auch die erste zusammengefasste Ebene bekommt eine Anpassung der Deckkraft auf ca. 80 Prozent.

Schritt 7: Tiefen und Lichter durch Überlagern (neutralgraue Ebene anlegen)

Um den besonderen Kontrasteffekt zu erreichen, muss man dafür sorgen, dass Teile des Bildes abgedunkelt (nachbelichtet) oder aufgehellt (abgewedelt) werden. Damit man die Änderungen korrigieren kann, empfiehlt es sich, nicht direkt auf dem Ausgangsbild zu malen, sondern sich einer Hilfsebene mit einem neutralen Grau zu bedienen.

Dazu legen wir eine neue Ebene mittels der Tastenkombination Umschalt+Strg+N an. Beim Modus im Dialogfenster stelle ich die Füllmethode auf Ineinanderkopieren ein und setze den Haken bei Mit neutraler Farbe … Zur besseren Orientierung benenne ich diese Ebene noch in „Lichter und Schatten“ um.

Änderungen am Bild sind durch den Modus Ineinanderkopieren noch nicht zu erkennen und werden erst mit den folgenden Schritten sichtbar.

Schritt 8: Gesichtszüge nachbearbeiten

Mittels schwarzer und weißer Pinsel kann man jetzt die Gesichtszüge betonen. Schwarze Pinsel dunkeln das Bild ab – weiße hingegen hellen bestimmte Bereiche auf. Ich benutze ein Grafiktablett und setze bei einer großen, weichen Pinselspitze mit Schwarz die Schattenbereiche des Gesichtes in Szene. Dabei gehe ich mit geringer Deckkraft von ca. 10 % an die zu bearbeitenden Bereiche heran. Dank einer Deckkraftregulierung und variabler Pinselspitzengröße (Tasten Ö & # zum Vergrößern und Verkleinern) kann ich sehr detailliert vorgehen.

Achtung: Diese Arbeit ist die wichtigste Komponente und beansprucht etwas mehr Zeit.

Im sogenannten Schichtmodus modelliere ich die Schatten förmlich aus dem Gesicht heraus. Dabei liegt das besondere Augenmerk auf den Falten, die charakteristisch für ein Gesicht sind und ihre eigenen Geschichten erzählen.

Helle Bereiche werden mit einer weißen Pinselspitze bewusst betont. Auch hier sollte man die nötige Sorgfalt walten lassen. Je nach Ausgangsbild und weil unser Fokus beim Betrachten von Gesichtern im Wesentlichen darauf liegt, betone ich die Augen, indem ich das Augenweiß und die Iris entsprechend nachbearbeite. Hierzu stelle ich eine kleine Pinselspitze ein und setze die Deckkraft etwa auf 30 % hoch.

Schritt 9: Farbige Ausgestaltung

Das Ausgangsbild hat nun verschiedene Bearbeitungsschritte hinter sich und nähert sich dem Finish. Damit ich eine homogene Farbwirkung erziele, füge ich erneut alle Ebenen über Umschalt+Strg+Alt+E zusammen. Dazu erstelle ich zunächst eine neue, leere Ebene und benenne sie in „Färben“ um. Mit Strg+J dupliziere ich die soeben erstellte Ebene gleich noch einmal und blende die Kopie vorübergehend aus.

Auf der zuerst erstellten Ebene nehme ich nun Korrekturen bei Farbton und Sättigung vor. Dazu gehe ich über das Menü Bild>Korrekturen>Farbton/{ZEILENUMBRUCH}Sättigung. Im Dialogfeld senke ich die Sättigung auf einen Wert von -30.

Nun wird die Ebenenkopie „Färben Kopie“ wieder eingeblendet und erneut das Dialogfeld Farbton/Sättigung aufgerufen. Ich setze den Haken in der Checkbox auf Färben und verstelle mittels Regler den Farbton auf ca. 30 und die Sättigung ca. auf den Wert 15.

Die Füllmethode dieser Ebene wird auf den Modus Ineinanderkopieren gesetzt. Die Deckkraft der Fläche & Ebene kann daraufhin auf den Wert von ca. 60 % gesetzt werden.

Die Ebene „Tiefen und Lichter“ kann bei Bedarf zusätzlich nach oben im Ebenenstapel verschoben und deren Deckkraft für einen „dramatischeren“ Look reduziert werden.

Schritt 10: Das Wesentliche hervorheben

Mein Porträtfoto enthält zurzeit noch unwichtige Elemente, die vom eigentlichen Effekt ablenken. Diese sollen in den folgenden Schritten ausgeblendet werden. Dazu erstelle ich eine neue Ebene und drücke die Tastenkombination Umschalt+ F5. Im Dialogfeld stelle ich unter Verwenden:{ZEILENUMBRUCH}Schwarz ein. Diese nun erstellte Ebene erhält eine Ebenenmaske.

Mit Schwarz und Weiß kann ich nun störende Details in unmittelbarer Nähe des Gesichtes ausblenden. Ziel ist es, einen schwarzen Hintergrund zu erhalten, der nur das eigentliche Porträt beinhaltet und dies damit zur Geltung bringt.

Schritt 11: Zusätzliche Arbeiten/Fertigstellung

Eventuell ist es wie auf meinem Ausgangsfoto so, dass bestimmte Bildteile wie hier der Turban eine weitere Bearbeitung erfordern. In meinem Beispiel habe ich diesen vom Originalbild entnommen, mittels einer Maske freigestellt und den Ebenenmodus Luminanz gewählt.

Abschließend erstelle ich eine neue Ebene und füge alle vorhanden Ebenen über Umschalt+Strg+Alt+E zusammen. Ich möchte gern einen höheren Schärfegrad erreichen und benutze den Filter Scharfzeichnungsfilter>Unscharf Maskieren mit den Werten:

• Stärke: 232

• Radius: 0,5

• Schwellenwert: 6.

Das Bild ist nun fertig.

Wer mehr über den Fotografen erfahren möchte und sich für diese Technik interessiert, kann sich auf seiner Homepage: http://andrzejdragan.com/ umsehen.

Das Video zum Dragan Effekt findest Du hier.

Ein bisschen Reklame in eigener Sache:

Beginnen wir mit der Bildauswahl für unsere 4 Jahreszeiten.

Frühling:

Sommer:

Herbst:

Winter:

Schritt 1 – Bildgröße einstellen

Diese Bilder werden auf ein Pixelmaß von 600×400 Pixel heruntergerechnet. Dazu kann ich entweder die Option Bild>Bildgröße benutzen oder eine neue Datei mit diesen Abmessungen anlegen und alle 4 Bilder darin einpassen. Überstehende Randbereiche – beispielsweise bei breitformatigen Fotos – können so abgeschnitten werden. Wurden alle Bilder auf dieses Maß heruntergerechnet, speichere ich diese nun ab.

Schritt 2 – Bilder aneinanderreihen

Nun möchte ich daraus ein Panorama erstellen. Dazu muss ich zunächst alle Bilder in einer Datei aneinanderreihen. Diese Datei lege ich zunächst neu an und stelle sie auf eine Größe von 2400×400 Pixel ein. Ich importiere mir die Bilder in mein Dokument und ordne diese von links nach rechts in Reihenfolge der Jahreszeiten an. Somit entsteht ein kleines Panorama von Frühling, Sommer, Herbst und Winter. An jeder der Kanten platziere ich zunächst eine Hilfslinie.

Schritt 3 – Übergänge erstellen

Damit unser Bild später keine harten Kanten zwischen den Jahreszeiten aufweist, versuchen wir nun, eine Überblendung der einzelnen Bildbereiche zu erzielen. Dazu kann ich die Randbereiche mit dem Kopierstempel auf jeweils neuen Ebenen überblenden. Alternativ und schneller geht es, wenn ich Bildbereiche auswähle, dupliziere und nach dem Verschieben der Position mit Ebenenmasken ineinander verblende.

Schritt 4 – Himmel angleichen

Das Erstellen des Panoramas kann mitunter eine gewisse Zeit in Anspruch nehmen. Je besser die Übergänge vorbereitet wurden, umso besser schaut nachher unser Jahreszeiten-Kreis aus. Da wir nun verschiedene Bilder als Panorama zusammengefügt haben, gestaltet sich der Himmel sehr unterschiedlich.

Diesen Umstand können wir durch Einfügen einer einfachen Farbebene beheben. Dazu wählen wir uns zunächst einen passenden Blauton unserer Wahl aus und färben eine leere Ebene damit ein. Mittels Ebenenmaske blenden wir nun so viel wie möglich von unserer Landschaft ein. Bei den Bergen dürfen durch die Benutzung weicher Pinselspitzen gern einige der Wolkenformationen hindurchschimmern.

Schritt 5 – Panorama zusammenfügen und nachschärfen

Ist unser Panorama fertiggestellt, so fassen wir es mit der Tastenkombination Strg+Alt+Shift+E zusammen. Ich erstelle von der zusammengefassten Ebene eine Kopie über Strg+J. Diese Kopie wird nun mit dem Hochpassfilter nachgeschärft.

Dazu gehe ich auf Filter>Sonstige>Hochpass und stelle einen Radius von ca. 0,9 Pixeln ein. Nach der Anwendung des Filters stelle ich den Ebenenmodus auf Ineinanderkopieren um. Somit wirkt der Filter direkt auf die darunterliegende Ebene und verstärkt die Konturen.

Schritt 6 – Panorama beschneiden – Teile in neue Datei einfügen

Jetzt muss ich erneut die Ebenen zusammenfassen und verwende wieder die Tastenkombination Strg+Alt+Shift+E. Ich blende meine Hilfslinien ein, falls ich diese ausgeblendet hatte.

Nun wähle ich das rechteckige Auswahlwerkzeug und ziehe eine erste Auswahl von links beginnend bis zur ersten Hilfslinie auf.

Ich kopiere diese nun mit Strg+C, lege über Datei>Neu ein neues Arbeitsdokument mit den Abmessungen von 1200×1200 Pixel an und füge den kopierten Teil des Panoramas dort ein.

Diesen Schritt wiederholen wir für die restlichen 3 Bildbestandteile.

Schritt 7 – Bilder in Smart-Objekte konvertieren, verkrümmen

Damit ich die Bilder in ihrer ursprünglichen Qualität erhalte, wandle ich sie zunächst in Smart-Objekte um. Dazu klicke ich mit der rechten Maustaste die Ebenen einzeln an und wähle aus dem Menü den Punkt In Smart-Objekt konvertieren aus.

Zur Sicherheit lege ich noch eine Kopie dieser Ebenen an und blende diese zunächst aus. Jetzt wird jedes dieser Objekte verkrümmt und ich navigiere dazu zu dem entsprechenden Menüpunkt:

Ziel ist es, diesen Bildabschnitt in einen Viertelkreis zu transformieren. Damit dies leichter von der Hand geht, benutzen wir dazu einfach die Voreinstellungen des Drop-down-Menüs und wählen dort den Bogen aus.

Die Biegung im Dialogfeld daneben wird auf 50 Prozent eingestellt. Wir bestätigen diese Bearbeitung und wenden diesen Schritt auf die restlichen 3 Bildteile an.

Schritt 8 – Bogensegmente zum Kreis zusammensetzen

In diesem Arbeitsschritt geht es darum, den Kreis zusammenzusetzen. Ich fange zunächst damit an, den Frühling und den Sommer einzublenden. Die Ebene Frühling verschiebe ich etwas nach links oben. Danach wird die Ebene Sommer über das Transformieren-Menü um 90 Grad im Uhrzeigersinn gedreht.

Nachdem diese Ebene gedreht wurde, wird sie mit dem Verschieben-Werkzeug an die Frühlingsebene angeheftet. Beide Seiten des Bogensegmentes müssen nahtlos aneinandergefügt werden. Im Zweifelsfall kann man auch die Pfeiltasten der Tastatur benutzen, um diese Teile einzupassen. Hier zeigt sich auf Anhieb, dass die vorangegangene Panoramaerstellung lohnenswert ist.

Wir wiederholen diesen Schritt mit den Kreissegmenten für den Herbst und Winter, wobei wir lediglich den Transformationsmodus anpassen. Der Herbst würde um 180 Grad gedreht – der Winter 90 Grad gegen den Uhrzeigersinn.

Schritt 9 – Überblendungen korrigieren

In meinem Fall war der Übergang zwischen Winter und Frühling noch nicht fehlerfrei hergestellt. Dies gilt es jetzt zu korrigieren.

Dazu dupliziere ich die Ebene Frühling, drehe diese gegen den Uhrzeigersinn um etwa 45 Grad und lasse Teile der Winterlandschaft überlappen.

Die kopierte und gedrehte Frühlingsebene wird nun nach oben im Ebenenstapel abgelegt und mittels einer Ebenenmaske teilweise ausgeblendet. Dazu verwende ich einen weichen Pinsel mit einer mittleren Deckkraft.

Schritt 10 – Ebenen verbinden – skalieren

Jetzt haben wir unsere Kreissegmente zu einem vollständigen Kreis zusammengefügt, der jedoch etwas zu groß geraten ist. Daher werde ich jetzt diesen transformieren und somit verkleinern. Ich habe absichtlich größere Kreissegmente angelegt, damit ich erstens einen größeren Spielraum erhalte und zweitens eine bessere Qualität erziele.

Schritt 11 – Hintergrund mit einem Farbverlauf versehen

Damit unser erstellter Kreis richtig zur Geltung kommt, erstellen wir für den Hintergrund einen Farbverlauf. Statt die Ebene einfach zu färben, werden wir mittels Einstellungsebene einen editierbaren Verlauf erzeugen. Dieser wird von Blau nach Weiß und Linear voreingestellt. Der Blauton sollte dem eures Himmels entsprechen.

Die Verlaufsrichtung kann mit dem Dialog im Winkel angepasst werden.

Schritt 12 – Himmelbereiche des Kreises ausblenden und Wirkungsweise des Kreises durch Rotation ändern

Wenn ich mir den Kreis nun anschaue, so fällt mir auf, dass die Wirkung der Berglandschaften nicht zur Geltung kommt. Das kann durchaus mit der Position bzw. dem Winkel der Darstellung zusammenhängen. Daher entschließe ich mich dazu, den Kreis zu drehen und die Berge etwas nach oben zu holen.

Der vorher eingerichtete blaue, monotone Himmel fügt sich nach der Erstellung des Farbverlaufes nicht mehr so gut in den Hintergrund ein. Daher wende ich auf den Ordner, in dem alle Kreissegmente abgelegt sind, eine Ebenenmaske an. Diese dient dazu, die Unterschiede beim Übergang von Himmel zu Farbverlauf zu kompensieren. Mit einer weichen Pinselspitze blende ich das monotone Blau weich aus.

Schritt 13 – Schmuckelemente hinzufügen

Meine Landschaft wirkt noch etwas flach und monoton. Dies möchte ich durch die Hinzugabe von kleinen Bildelementen ändern. So füge ich weitere freigestellte Objekte in mein Arbeitsdokument ein. Darunter befinden sich ein Schmetterling, ein Weinblatt, eine Kuh, ein Ballon und ein Baum.

TIPP:

Ich konnte diese Elemente von einer Bildersammlung entnehmen, die man unter der Bezeichnung „Photo Objekts“ auch noch in einigen Shops erwerben kann. Das ist eine schnelle Methode, da hier die Bilder mit Alphamasken bereits freigestellt wurden und ich diese als TIFF mit Folie aus dem Programm heraus exportieren kann.

Ich achte zunächst auf Größe und Perspektive, werde also jedes einzelne Element mit der Transformationssteuerung an seinem Platz einpassen. Beim Baum war das Verschieben auf eine der unteren Ebenen unumgänglich.

Schritt 14 – Kreisloch füllen

Meine Kreissegmente weisen in der Mitte noch ein Loch auf. Statt dieses jedoch umständlich mit dem Stempelwerkzeug aufzufüllen, verwende ich einfach eine Grafik. Ich habe mich hier für einen Erdball entschieden, den ich zunächst mit einer Ebenenmaske an den Randbereichen einblende.

Danach editiere ich die farbige Ausgestaltung der Erdkugel, damit sich diese besser in die Umgebung einfügt. Ich nutze dazu eine Einstellungsebene Verlauf und färbe das Bild ein. Damit die Änderungen nicht auf das gesamte Arbeitsdokument übergreifen, erstelle ich eine Schnittmaske mit der Erdkugelebene durch Klicken zwischen diesen Ebenen bei gedrückter Alt-Taste.

Ich orientiere mich bei der Farbgebung an den Wiesen der umliegenden Landschaften. Es entsteht ein benutzerdefinierter Farbverlauf mit Farbtönen aus jedem Kreissegment. Die Art des Verlaufs wird im Winkel ausgegeben.

Die so erstellte Einstellungsebene wird in den Modus Farbe versetzt.

Schritt 15 – Wolken erstellen

Ich möchte unserem Bild Wolken hinzufügen, die ich zunächst erstellen muss. Entweder greife ich dabei auf Pinselspitzen zurück – http://www.psd-tutorials.de/downloads/photoshop-presets/pinsel/sonstiges/view/5974–wolken-brushes-mit-hoher-aufloesung – oder verwende freigestellte Wolken aus anderen Bildern. Ich habe beide Dinge in mein Bild einfließen lassen.

Zunächst benötige ich eine neue, leere Arbeitsebene, die ich schwarz einfärbe und erstelle ein Ebenenset – also einen Ordner, in dem diese Ebenen zunächst versammelt werden.

Die Wolkenbrushes sind recht groß und ich reduziere diese auf ein Maß, das in mein Arbeitsdokument passt. Jede Wolke wird mit 100 Prozent Deckkraft auf jeweils einer neuen Ebene eingezeichnet. Da die Deckkraft nicht in jedem Fall ausreicht, die volle Deckung zu erzielen, empfiehlt es sich bei den Brushes, 2 Mal auf dieselbe Stelle zu klicken. So werden die Wolken flächendeckender aufgetragen.

Sind alle Wolken zunächst erstellt, geht es ans Platzieren im Bild. Ich blende dazu die schwarze Ebene aus und verschiebe die Wolken auf meiner Arbeitsoberfläche. Es dürfen auch gern mehrere Kopien der Wolkenebenen angelegt werden. Dadurch hat man viel mehr Möglichkeiten bezüglich der Größe etc., die man mittels Transformieren und Verzerren noch ausgestalten kann. Harte Ränder kann ich mit einer Ebenenmaske editieren oder mit dem Radiergummi entfernen. Bitte versucht dabei, immer auf weiche Pinselspitzen zu achten.

Schritt 16 – Wolken und Content arrangieren, freilegen von Details

Nachdem alle Wolken arrangiert wurden, erfolgt der Feinschliff.

Als Nächstes möchte ich beispielsweise die Kuh weiter nach vorn ins Bild holen. Durch Verschieben der Ebene gelingt mir das. Damit kann ich letztendlich leben – eine eindeutige Ebenenbezeichnung hilft beim Wiederfinden.

Wichtig ist, dass wir durch das Arrangieren die Details wie Häuser, Bänke etc. der Kreislandschaft wieder freigeben. Wolken können auch gern in den Hintergrund verschoben werden.

Zusätzlich bekommen die Wolken teilweise einen Ebenenstil in Form eines Schlagschattens, damit ich mehr Tiefe in die Struktur einbringe. Wichtig ist dabei, dass man die Schlagschatten nicht im globalen Licht setzt, sondern die Ausrichtung für die Wolken separat bestimmt. Physikalischen Gesetzen zum Trotz ergibt diese Bearbeitung ein besseres Gesamtbild. Und bei einer Fantasiewelt darf gern auch mal der Schatten ungewöhnlich fallen.

Schritt 17 – Highlight setzen

Es ist nicht so, als wäre das Bild langweilig. Allerdings kann man noch etwas mehr herausholen. Ich habe mich dazu entschieden, ein bekanntes Bauwerk in das Bild einfließen zu lassen, das letztlich aus den Wolken ragt. Im Grunde kann man alles Mögliche nehmen, auch Pflanzen beispielsweise …

Zunächst importiere ich mein freigestelltes Objekt in meine Arbeitsdatei.

Der Dom weist in dieser Stellung noch den Fehler auf, dass das Licht, welches später von rechts oben kommen soll, derzeit von links auf ihn scheint. Das ändern wir durch eine horizontale Spiegelung über das Menü Bearbeiten>Transformieren.

Ich dupliziere diese Domebene, da ich bei der Darstellung gern einen Teil hinter den Wolken und einen vor diesen abbilden möchte. Die Kopie wird vorübergehend ausgeblendet. Die erste Domebene wird in den Wolkenstapel verschoben.

Damit das Gesamtbild stimmt, werden jetzt weitere Wolkendetails eingeblendet bzw. editiert, sodass der Dom in einem dynamischen Umfeld erscheint. Zusätzlich blende ich über eine Ebenenmaske die unteren Bodendetails am Dom und in der Ebenenkopie aus, sodass dieser etwas besser aus der Erde ragt. Die obere Kopie kann bei Bedarf eingeblendet werden.

Schritt 18 – Sonnenstrahlen erzeugen

Ich möchte nun die Sonne in das Bild holen und importiere mir eine Grafik. Da sie recht groß ist, transformiere ich sie so, dass die Strahlen ausgehend von der Mitte noch die künstliche Erde erreichen.

Nun geht es an die Erstellung der feinen Sonnenstrahlen. Diese erhalte ich, indem ich den radialen Weichzeichner auf dieses Bild mit einer strahlenförmigen Methode, versetztem Mittelpunkt und bei bester Qualität sowie voller Stärke anwende.

Ich wiederhole diesen Schritt noch ein weiteres Mal. Entspricht das Ergebnis meinen Vorstellungen, versetze ich die Ebene in den Modus Negativ multiplizieren.

Schritt 19 – Polarlicht einfügen

Ich habe mir bei der Erstellung dieses Werkes gedacht, warum ich nicht auch im Bereich Winter bei den Bergen eine Art Polarlicht platzieren sollte. Diese Idee fand ich spannend und realisierte dies, indem ich einen Nebel aus der Galaxie in mein Bild einfügte. Ich verschob es weit nach unten im Ebenenstapel, damit es eher im hinteren Bereich wirkt.

Ich muss diese jedoch noch in der Größe verändern und die Position verschieben. Zudem kann ich die Position im Ebenenstapel variieren. Die Ebene wird anschließend auf den Modus Negativ multiplizieren gesetzt.

Für die Feinheiten kann ich zudem Elemente mit einer Ebenenmaske in gewohnter Art und Weise ein- bzw. ausblenden.

Schritt 20 – Zusammenfassen – scharfzeichnen

Strg+Alt+Shift+E hilft uns beim Zusammenfassen der Ebenen und erstellt uns eine neue Gesamtebene. Diese Gesamtebene dupliziere ich und wende einen Filter – den Hochpassfilter – abschließend darauf an. Der Wert für den Radius liegt bei ca. 0,4 Pixel.

Haben wir den Hochpassfilter wie gewünscht angewendet, stellen wir die Ebene auf den Modus Ineinanderkopieren. Die Deckkraft dieser Ebene kann auf Wunsch nachträglich reduziert werden.

Finalergebnis:

So sieht unser Planet nun aus:

Beim Feuergesicht-Tutorial kommen verschiedene Bearbeitungsvarianten zum Einsatz, die diesen Effekt ermöglichen.

Schritt 1 – Porträtfoto vorbereiten

Als Ausgangsbild kommt zunächst ein Porträtfoto infrage, das möglichst düster gezeichnet ist, damit der Effekt nachher besser zur Geltung kommt. Ich habe mich für ein Porträt eines jungen Mannes entschieden, der mit seiner Gesichtsmimik etwas böse ausschaut. Die Art und Weise, wie er schaut, lädt geradezu ein, mit dem Feuer auf seinem Gesicht zu spielen. Bevor ich jedoch die ersten Flammen ins Gesicht setze, bearbeite ich dieses Porträt so, dass die rechte Gesichtshälfte, von uns aus gesehen, abgedunkelt wird. Dazu verwende ich die Vorgehensweise, wie ich sie bereits im Dragan-Tutorial: http://www.psd-tutorials.de/tutorials/2d/adobe-photoshop/effekte-und-texturen/view/17763–dragan-effekt angewendet habe. Die Bearbeitung des Porträts ist als vorbereitende Maßnahme wichtig.

Das Ergebnis der Bearbeitung sollte dann in etwa so aussehen:

Ein bisschen Reklame in eigener Sache:

Schritt 2 – Feuerwand erstellen

In diesem Schritt soll es darum gehen, eine Feuerfläche zu erstellen, mit der wir später größere Bereiche im Gesicht abdecken können. Dabei kommt es nicht vorrangig darauf an, echtes Feuer zu erstellen, sondern eher eine lodernde Fläche. Dazu bedarf es in Photoshop nur weniger Bearbeitungsschritte.

Ich lege eine neue, möglichst große Arbeitsdatei an, bei der ich eine Auflösung von 300 Pixel pro Zoll voreinstelle. Ich habe hier die original Abmessungen des Porträtfotos von 1700×2300 Pixel im Hochformat übernommen.

Diese neue Arbeitsfläche fülle ich mit einer Einstellungsebene Farbverlauf. Ich stelle den Verlauf so ein, dass ich mich von einem dunklen Rotbraun zu Schwarz bewege.

Ich lege eine weitere neue Ebene an und färbe diese schwarz ein. Der Ebenenmodus wird auf Farbig abwedeln umgestellt. Dann stelle ich die Vorder- und Hintergrundfarbe auf Schwarz/Weiß ein und verwende nun einen Filter auf dieser Ebene: den Renderfilter Differenz-Wolken.

Dieser Filter sorgt dafür, dass ich eine Art Wolkenstruktur auf dieser Ebene erzeuge. Mit der Tastenkombination Strg+F kann ich diesen Filter wiederholt auf meine Ebene anwenden. Dieser Vorgang empfiehlt sich für ein besseres Feuerbild.

Damit jetzt eine leuchtendere Kontur entsteht, dupliziere ich diese erstellte Ebene. Auch dieser kann ich über den Differenz-Wolken-Filter eine eigene Struktur verpassen. Wenn ich möchte, kann ich den Farbverlauf der Einstellungsebene anpassen. Neben dem linearen Verlauf bietet sich auch noch der gespiegelte oder kreisförmige Verlauf als Basis an.

Entspricht der Verlauf und die Struktur meinen Vorstellungen, kann ich die Ebenen auf einer separaten Ebene per Strg+Alt+Shift+E zusammenfassen. Diese Flächen benötige ich nun in meiner Porträtebene. Es empfiehlt sich, diese Feuerflächendatei für die spätere Bearbeitung zu sichern.

Schritt 3 – Porträt platzieren und mittels Ebenenmaske einpassen

Unser vorbereitetes Porträt wird nun geöffnet oder in einer neuen Arbeitsdatei platziert. Ich achte dabei auf genügend Platz im rechten und oberen Bereich für meine noch einzubringenden Flammen.

Mein Porträt weist noch einen kleinen Schönheitsfehler auf – es ist am oberen Haar nicht ganz rund. Deshalb lege ich mir auf dem Bild eine Ebenenmaske an und blende diesen Bereich sanft zum restlichen Hintergrund ein.

Schritt 4 – Feuer ins Gesicht bringen

Nun geht es auch schon los mit unserer Flammenwelt auf dem Gesicht. Ich lade mir dazu die vorhin erstellten Feuerwand-Hintergrundbilder und ziehe einen meiner Hintergründe in das Bild.

Diese Feuerwand bedeckt das Gesicht jetzt vollständig und ich erstelle auf dieser Ebene eine Ebenenmaske. Mit einem großen, weichen Pinsel blende ich nun Teile des Bildes aus.

Schritt 5 – Kontur zur Orientierung

Es hat sich bei der Bearbeitung gezeigt, dass mit dem zunehmenden Auftrag von Feuer die Orientierung verloren gehen kann, da der rechte Gesichtsbereich vollständig bedeckt sein wird. Damit ich die ursprüngliche Kontur erhalte, zeichne ich mit einem Stiftwerkzeug die Gesichtskonturen grob nach und fixiere diese Ebene zunächst ganz oben im Ebenenstapel.

Schritt 6 – Feuer – mehr Feuer (sich wiederholende Schritte)

Nun kann es bereits ans Einfügen echter Flammen gehen. Diese hole ich mir aus anderen Bildern, schneide sie aus und füge diese wie ein Puzzle im Bild zusammen. Dazu öffne ich mir ein Bild meiner Wahl mit Flammen und schneide die benötigten Bildteile heraus, um sie in meine Porträtebene einzufügen.

Die Größe des eingefügten Bildes verändere ich mittels der Transformationswerkzeuge. Dazu stehen mir die optionale Skalierung, Drehung oder gar das Verzerren-Werkzeug zur Verfügung.

Ist das Feuer-Stück eingepasst, wird es mittels einer Ebenenmaske an die Gegebenheiten im Gesicht angepasst.

Es stehen verschiedene Überblendfunktionen der Ebenen zur Verfügung, damit das Feuer sich durchscheinend ins Gesicht einfügen kann. Darunter zählen Abdunkeln, Ineinanderkopieren, Negativ multiplizieren oder Linear abwedeln in der Ebenenpalette als Ebenenmodus, den ich wahlweise einstellen kann. So fügen sich die Feuerteile Stück für Stück ins Bild.

Schritt 7 – Auge abdunkeln

Im nächsten Schritt möchte ich das Auge abdunkeln. Dazu verwende ich den Nachbelichter und wende ihn im Bereich des Auges an. Zuvor erstelle ich mir eine Kopie des Porträts und blende die nicht benötigten Gesichtsteile mittels einer Ebenenmaske aus.

Schritt 8 – Risse ins Gesicht setzen

Ich möchte durch die Integration einer gerissenen Hautstruktur mehr Spannung aufbauen. Dazu verwende ich schlicht ein Bild eines ausgetrockneten Bodens.

Diese Risse werden dann mithilfe einer Auswahl markiert.

Ich importiere mir einen meiner Hintergründe aus der Feuerwand-Datei und kopiere mir Teile davon mittels dieser Auswahl.

Diese Kopie der Risse dupliziere ich zur Sicherheit. Eine dieser Rissebenen wird nun im Modus Negativ multiplizieren versetzt, damit sich die Risse besser ins Bild einpassen. Der Ebene wird ein Ebenenstil zugewiesen, mit dessen Hilfe ich die Struktur der Risse betone. Dazu klicke ich doppelt auf eine der Rissebenen und weise dieser Ebene den Stil Abgeflachte Kante und Relief zu.

Die Deckkraft der Fläche wird zusätzlich reduziert. Ich skaliere die Größe so, dass sich die Risse dort befinden, wo ich sie gern sehen möchte.

Nun editiere ich erneut den Ebenenstil und stelle den Modus Abgeflachte Kante und Relief auf Abgeflachte Kante innen ein.

Damit ich ein intensiveres Leuchten erzeuge, setze ich die Deckkraft der Ebene wieder etwas nach oben.

Schritt 9 – verbrannte Haut

Ich wiederhole den Schritt mit dem Einfügen der Rissebene mit dem Ziel, eine verbrannte Haut zu simulieren. Nach dem Einfügen stelle ich mittels einer weiteren Ebenenmaske die unerwünschten Bildteile frei.

Der Ebenenmodus wird auf Subtrahieren gesetzt und die Ebene in der Deckkraft angepasst.

Damit der Effekt noch besser zur Geltung kommt, wende ich auf dieser Ebene eine Tonwertkorrektur an. Sie wird die Nuancen im Bild besser verteilen.

Schritt 10 – das Auge

Zurzeit scheint das Auge aus der Porträtebene noch durch. Ich möchte jedoch gern einen schwarzen Flecken dort auftragen. Das realisiere ich mit einem einfachen Mittel: dem Farbauftrag mittels Pinsel auf einer neuen Ebene. Damit die Form sich besser einpasst, wende ich die Verkrümmen-Funktion auf dieser Ebene an, um die Form in ihrer Gestalt anzupassen.

Schritt 11 – Feuer vervollständigen

Nun ist es an der Zeit, die Ausgestaltung mit dem Feuer fortzusetzen.

Die notwendigen Schritte dazu habe ich weiter oben bereits erläutert.

Schritt 12 – zusammenfügen, Farbkorrektur vornehmen

Nun ist unser Bild im Grunde fertig und letzte Handgriffe optimieren noch die Wahrnehmung. Ich rufe daher bei zusammengefügter Ebene (Strg+Alt+Shift+E) eine Selektive Farbkorrektur auf und nehme die Rotanteile ein wenig heraus. Zusätzlich kann ich das Bild bei Bedarf nachschärfen.

Final

Das ist mein Ergebnis:

Hier findest Du das Video zum Training “Feuereffekt auf Gesicht”.

Stockfoto: Fotolia_7050353_M – © Joelle M – Fotolia

Ein bisschen Reklame in eigener Sache:

Schritt 1 – Öffnen des Ausgangsbildes und optimieren

Zunächst einmal öffne ich das Bild in Adobe Photoshop und wende eine Einstellungsebene Tonwertkorrektur auf das Bild an, um die Farbgestaltung und Ausbelichtung zu optimieren. Ich schaue mir dazu zunächst einmal den gesamten Farbraum, also den RGB-Farbumfang der Tonwertkurve an und klicke mich danach durch die einzelnen Farbkanäle. So kann ich feststellen, welche Farbe nicht optimal abgebildet ist. In unserem Fall ist das der Fall bei den Farbtönen Grün und Blau. Die Tonwertkurve editiere ich, indem ich die Schieberegler bis an die sichtbare Kurve heran schiebe.

Schritt 2 – Bearbeitungen auf neuer Ebene sichern

Damit die Änderungen editierbar werden, sichere ich per Tastenkombination Strg+Shift+ALT+E diesen Bearbeitungsschritt auf einer neuen Ebene.

Schritt 3 – Tiefendetails mit dem Korrekturfilter Tiefen und Lichter

Damit ich mehr Details aus den hinteren Bildbereichen herausholen kann, muss ich Teile des Bildes in ihrer Darstellung so verändern, dass unterbelichtete Bereiche aufgehellt und überbelichtete Bereiche abgedunkelt werden. Oft kommen bei Landschaftsfotografien nebelartige Schleier vor, die, verursacht durch Smog, UV Licht oder Nebel, Teile des Bildes unklar erscheinen lassen. Hier kann ich mit dem Korrekturfilter Bild>Korrekturen>{ZEILENUMBRUCH}Tiefen und Lichter noch einige Details aus dem Foto herausholen und so mehr Brillanz erzielen.

Schritt 4 – Ebenenkopie erstellen, Ebenenset einrichten

Wir nähern uns bereits den Filterebenen und erstellen uns zunächst einen Ordner in der Ebenenpalette, der beliebig benannt werden kann. In diesen Ordner verschiebe ich eine Kopie meiner gerade bearbeiteten Ebene. Die unteren Ebenen können nun ausgeblendet werden, da sie für die nächsten Bearbeitungsschritte nicht relevant sind.

Schritt 5 – Ebenenkopie erstellen, Einstellungsebene Farbton/Sättigung anwenden

Ich wende im nächsten Schritt eine weitere Einstellungsebene auf die Kopie des Bildes im Ordner an. Dazu wähle ich die Einstellungsebene Farbton/{ZEILENUMBRUCH}Sättigung und passe die Farbgebung an den zu erzielenden Effekt an. Da Pastellkreide eine geringere Deckkraft aufweist, schwäche ich die Farben so ab, dass sie weniger intensiv erscheinen.

Schritt 6 – Filter Malgrund anwenden

Auf einer weiteren Kopie meines Ausgangsbildes im Ordner wende ich nun meinen ersten Photoshop-Filter an. Dazu gehe ich auf Filter>Kunstfilter>{ZEILENUMBRUCH}Malgrund und nehme folgende Einstellungen vor:

Schritt 7 – Ebenenkopie anlegen und weiteren Filter Grobes Pastell darauf anwenden

Damit die Leinwand später eine entsprechende Struktur aufweist, benötige ich einen weiteren Filter, der mir diesen Untergrund erstellt. Hier bietet es sich an, den Filter Grobes Pastell, zu finden unter Filter>Kunstfilter, zu verwenden. Die Ebene wird anschließend in den Ebenenmodus Farbig abwedeln versetzt.

Folgende Einstellungen werden dabei vorgenommen.

Schritt 8 – Ebene Grobes Pastell mit einer Ebenenmaske versehen und Wolkenfilter anwenden

Von der eben erstellten Ebene soll nur ein Teil der Bearbeitung sichtbar werden. Damit dies erreicht werden kann, erstelle ich zunächst eine Ebenenmaske. Ich löse die Verbindung von Bild und Maske, indem ich das Kettensymbol in der Ebene deaktiviere. Nun kann die Maske unabhängig vom Bild bearbeitet werden. Ich nutze für die weitere Bearbeitung einen zusätzlichen Filter, den Renderfilter Wolken, den ich über das Menü Bild>{ZEILENUMBRUCH}Renderfilter finde. Zuvor jedoch stelle ich sicher, dass Vordergrund und Hintergrund in der Werkzeugpalette auf Schwarz-Weiß eingestellt sind.

Sollte mir das Ergebnis nicht zusagen, so kann ich diesen Filter erneut auf die Ebenenmaske anwenden.

Diese Maske wird anschließend über Bild>Bearbeiten>Transformieren>Skalieren auf ca. 300 Prozent vergrößert. So erhält man einen deutlich gröberen und „fleckigeren“ Untergrund.

Schritt 9 – Kunstfilter Ölfarbe getupft auf weiterer Ebenenkopie anwenden

Die Grundlage für den Pastelleffekt ist noch nicht ganz fertig und ich benötige einen weiteren Filter, den ich erneut auf einer Ebenenkopie meiner Ausgangsebene anwende. Dazu navigiere ich zum Menüpunkt Filter>{ZEILENUMBRUCH}Kunstfilter>Ölfarbe getupft und wende folgende Einstellungen auf mein Ausgangsbild an:

Schritt 10 – Ebenenmaske auf Ebene anwenden und Ebenenmodus ändern

Damit nur Teile der getupften Ebene zum Vorschein kommen, versehe ich diese Ebene mit einer Ebenenmaske. Dazu gehe ich über den Menüpunkt Ebene>Ebenenmaske>Alles ausblenden und erhalte eine schwarze Ebenenmaske. Ich verstelle den Ebenenmodus auf den Wert: Luminanz.

Nun blende ich auf der Ebenenmaske mit einer weißen Vordergrundfarbe und einem Pastellpinsel (weich Pastell breit) aus dem Pinselset für trockene Farbe Bereiche des Bildes aus.

Teile der Stadt im Hintergrund und des Bootes werden nun bearbeitet.

Schritt 11 – Einstellungsebene Farbton/Sättigung anwenden

Ich möchte zunächst noch etwas mehr Farbe in das Bild bringen und wende daher eine Einstellungsebene Farbton/Sättigung auf das Bild mit folgenden Werten an:

Schritt 12 – Wolken aufmalen

Die Wolken des Bildes erhalten mit diesem Bearbeitungsschritt mehr Kontur. Dazu benötige ich eine neue leere Ebene, auf die ich dann weitere Wolkenschleier aufzeichnen werde.

Zunächst wähle ich mir einen passenden Pinsel aus dem Set für trockene Farbe. In diesem Fall soll es der Pinsel: Weich Öl Pastell sein. Ich editiere die Pinseleinstellungen, um mit einer modifizierten Pinselspitze zeichnen zu können.

Mit diesem Pinsel zeichne ich nun auf der leeren Ebene und nehme dazu Farbe mittels der Alt-Taste aus den darunterliegenden Ebenen auf.

Schritt 13 – Wasserflächen betonen

Im nächsten Bearbeitungsschritt möchte ich die Wasserfläche betonen und trage mit einem blauen Farbton Farbe auf. Dazu lege ich mir zunächst eine neue leere Ebene in meiner Ebenenpalette an und wähle als Vordergrundfarbe einen Blauton aus. Mit dem Pinsel: Weich Pastell breit zeichne ich nun auf der Wasseroberfläche die Strukturen blau ein.

Schritt 14 – Maske auf das Ebenenset anwenden

Im Grunde habe ich nun alle relevanten Ebenen in meinem Ebenenset erstellt und bearbeitet. Das Gesamtbild ist mit seiner formatfüllenden Erscheinung jedoch noch weit von einem Leinwand-Effekt entfernt. Damit sich dies ändert, erstelle ich eine Ebenenmaske auf meinen Ebenensetordner.

Diese Ebenenmaske bearbeite ich nun so, dass ich einen ungleichmäßig auslaufenden Randbereich erhalte. Ich verwende wiederum einen strukturierten Pinsel aus dem Set für trockene Farbe und wähle eine große Pinselspitze. Ich variiere dabei auch die Pinselspitzengröße und die Deckkraft, um einen dynamischeren Effekt zu erhalten.

Schritt 15 – Neue Ebene unter das Ebenenset anlegen und mit neutralem Grau füllen

Das Ebenenset ist vorerst erstellt und ich benötige nun einen Grundton unter dieser Ebene. Diesen Malgrund erstelle ich mittels einer neuen Ebene, die ich unter dem Ebenenset anlege und mit einem neutralen Grau fülle.

Schritt 16 – Ebene Leinwand erstellen

Ich stelle im nun folgenden Schritt die Vordergrundfarbe auf einen Pfirsich-Farbton um.

Diese Farbe wird als Hintergrundfarbe auf einer neuen Ebene eingefügt. Dazu erstelle ich mir zunächst eine neue leere Ebene, drücke die Tasten-{ZEILENUMBRUCH}Kombination Alt+Rückschritt, um diese Ebene mit diesem Farbton zu füllen.

Diese nun gefüllte Ebene wird mit einem Strukturfilter versehen, sodass ich hier die eigentliche Leinwandstruktur erhalte. Ich gehe dazu auf den Menüpunkt Filter>Strukturierungsfilter>Mit Struktur versehen und wende die folgenden Einstellungen an:

Diese Ebene erhält den Ebenenmodus Luminanz. Da diese Ebene in dieser Form eine hohe Deckkraft aufweist, reduziere ich diese nun in ihrer Deckkraft auf ca. 50 Prozent.

Schritt 17 – Erneut den Wolkenfilter anwenden

Damit noch mehr Struktur ins Bild einfließt, erstelle ich eine neue Ebene und wende mit schwarzer Vordergrundfarbe und weißer Hintergrundfarbe erneut den Renderfilter Wolken an. Diese Ebene wird anschließend auf ca. 200-300 Prozent Größe proportional skaliert.

Die so erstellte Ebene wird in den Ebenenmodus Farbig nachbelichten versetzt und in ihrer Deckkraft reduziert.

Schritt 18 – Mehr Zeichendetails aus dem Bild herausholen mit dem selektiven Weichzeichner

Um den Eindruck einer Pastellzeichnung zu verstärken, möchte ich nun auf eine Bleistiftzeichnung zurückgreifen. Diese wird ebenfalls mit Bordmitteln von Adobe Photoshop erstellt und soll den Skizziereffekt hervorheben. Ich kopiere mir zunächst einmal dazu meine Ausgangsebene und verschiebe diese in meinem Ebenenstapel nach oben.

Auf diese Ebenenkopie wende ich den Filter Weichzeichnungsfilter>Selektiver Weichzeichner mit folgenden Werten an:

Mit Strg+I kehre ich nun dieses Bild um. Ich verstelle den Ebenenmodus auf Multiplizieren und reduziere die Ebenendeckkraft. Dabei stelle ich die Deckkraft allgemein auf ca. 35 Prozent ein, die Deckkraft der Fläche auf ca. 75 Prozent.

Dadurch erhalte ich feine Linien, die den Anschein einer Bleistiftzeichnung aufweisen. Da diese jedoch durchgängig für das gesamte Bild erscheinen, werde ich diese nun mittels einer Ebenenmaske teilweise ausblenden.

Schritt 19 – Mehr Schärfe erzielen

Um mehr Schärfe in das Bild zu bekommen, dupliziere ich die Hintergrundebene erneut und verschiebe sie ganz nach oben in dem Ebenenstapel. Auf dieser Ebene wende ich den Filter Hochpass an und setze den Ebenenmodus auf Ineinanderkopieren.

Schritt 20 – Farbliche Anpassungen vornehmen

Das Gesamtbild erscheint derzeit noch sehr farbig, was jedoch für eine Pastellzeichnung eher untypisch ist. Daher werde ich weitere Bearbeitungen vornehmen. Zunächst kopiere ich die Ebene “Leinwand” und verschiebe diese ganz nach oben im Ebenenstapel.

Der Modus wird auf Ineinanderkopieren abgeändert und die Deckkraft auf ca. 60 Prozent angehoben.

Schritt 21 – Farbliche Anpassungen durch Verwendung von Einstellungsebenen vornehmen

Den abschließenden Schliff verpasse ich meinem Werk durch die Anpassung der Farbtöne, die zurzeit noch zu dominant wirken. Dazu wende ich eine Einstellungsebene Farbton/Sättigung auf das Ebenenset an:

Auch im Ebenenset verwende ich eine entsprechende Einstellungsebene über der Ebene “Malgrund”.

Finalergebnis:

Das Video zu dem Training “Pastellmaleffekt” kannst Du dir hier ansehen.

Leuchtschleiereffekt

Wer kennt sie nicht, die tollen Sinedots-Grafiken, wo Linien sich miteinander verschlängeln und in tollen Farben aufleuchten? Viele gehen davon aus, dass man für solche Art Grafik ein Renderprogramm aus der 3D-Szene benötigt. Dem ist aber nicht so und Photoshop bringt uns alle Werkzeuge mit, damit wir solche Grafiken selbst erstellen können.

Ein bisschen Reklame in eigener Sache:

Schritt 1 – Anlegen einer neuen Datei

Zunächst benötigen wir eine neue Datei mit ca. 1200×1200 Pixel in den Abmessungen, damit wir genug Spielraum für unsere Grafik erhalten. Diesen Hintergrund färben wir schwarz ein.

Schritt 2 – Formenerstellung

Der Effekt besteht aus verschiedenen sich verkleinernden Formen.

Diese Formen können im Grunde sehr einfach erstellt werden. Ich verwende für diese Art der Erstellung eine Aktion, die ich dann beliebig oft ablaufen lassen kann.

Ich benötige dazu eine leere Ebene und verwende das Pfadwerkzeug zur Erstellung einer ersten Form. Alternativ kann man auch auf bereits vorhandene Formen aus der Formengalerie zurückgreifen. Mit dem Pfadwerkzeug zeichne ich mir eine einfache Grundform bzw. Linie auf.

Danach wähle ich im Kontextmenü die Option Pfadkontur füllen aus.

Ich belasse die angezeigte Option auf Buntstift, Druck simulieren. Die Vordergrundfarbe sollte im Vorfeld bereits auf Weiß eingestellt sein.

Wenn ich diesen Pfad gefüllt habe, kann ich den Arbeitspfad, den ich in der Ebenenpalette unter Pfade finde, löschen.

Schritt 3 – Aktion erstellen

Ich benötige für das einfache Vervielfältigen eine Aktion, die ich über das Fenster Aktion (F9) aufrufen kann. Ich lege eine Neue Aktion per Klick auf das Neu-Symbol neben dem Papierkorb an.

Zusätzlich kann ich noch einen Namen und eine Tastenkombination hinzufügen, die ich für das Ausführen dieser Aktion verwenden möchte.

Klicke ich nun auf Aufzeichnen, startet die Aufnahme unmittelbar danach. Es gibt keinen Grund zur Eile, aufgezeichnet werden alle Schritte, die ich jetzt unternehme.

Ich dupliziere zunächst meine Ebene per Strg+J. Danach skaliere ich diese kopierte Form. Und drehe diese bei verschobenem Mittelpunkt. Diesen setze ich entweder in eine der Ecken, das Drehzentrum oder an die Seite, damit sich später die Form darum dreht.

Wenn ich damit zufrieden bin, kann ich die Transformation stoppen, rufe mein Aktionen-Fenster auf und beende die Aufnahme der Aktion.

Schritt 4 – Aktion anwenden

Nun kann ich die Aktion im Grunde auch schon benutzen. Ich lege mir jedoch ein Ebenenset an, in dem alle Linienkopien versammelt werden. Zusätzlich benutze ich das Verkrümmen-Werkzeug, um meiner Form ein neues Aussehen zu verleihen.

Nachdem ich nun meine Form neu ausgestaltet habe, kann ich meine aufgezeichnete Aktion über das festgelegte Tatstaturkürzel aufrufen, so oft ich möchte. Sollten sich die Pfadbestandteile nicht wie gewünscht aneinanderreihen, so könnt ihr jederzeit eine neue Aktion erstellen. Probiert dann einfach auch aus, den Dreh- bzw. Skaliermittelpunkt zu versetzen. Hier ist etwas Experimentierfreude gefragt. Alternativ könnt ihr die Pfadteile auch manuell aneinanderreihen.

Schritt 5 – Formensets arrangieren

Jetzt geht es darum, die Formen miteinander zu kombinieren, Figuren zu erstellen oder weitere Bearbeitungen vorzunehmen.

Ich benutze dazu wiederkehrend die Werkzeuge der Transformationssteuerung zum Skalieren, Drehen, Verkrümmen etc. Durch Anlegen von Ebenenduplikaten kann ich immer wieder auf meine Ausgangsform zurückgreifen.

Schritt 6 – Formensets zusammenfassen, Effekte anwenden

Mit der Zeit sammeln sich einige schöne Formen an, die man mittels weiterer Bearbeitung durchaus für eine tiefer gehende Bildbearbeitung nutzen kann. So fasse ich beispielsweise alle sichtbaren Ebenen über Strg+Alt+Shift+E als neue Ebene zusammen und wende den Verzerrungsfilter Polarkoordinaten darauf an.

Ich kann zudem diese bearbeitete Ebene erneut duplizieren und nochmals den Filter Polarkoordinaten darauf anwenden, um mehr Krümmung zu erhalten.

Nun liegt es an jedem selbst, wie er diese Effekte für sich nutzen möchte. Ich habe für meine Bearbeitung zusätzlich den Weichzeichnungsfilter Radialer Weichzeichner aufgerufen und ihn strahlenförmig bei 100 Prozent Stärke und sehr guter Qualität angewendet.

Schritt 7 – Farbe ins Spiel bringen mit Einstellungsebenen

Zurzeit verfügen wir lediglich über weiße oder graue Formen, die so noch nicht sonderlich spannend wirken. Daher werde ich eine Einstellungsebene Verlauf auf den Ordner mit den Formen anwenden, um diese einzufärben. Nachdem ich nun einen Verlauf bestimmt habe, setze ich den Modus der Ebene noch auf Farbe.

Ich wende diese Techniken auch dazu an, der Form mehr Flügelfläche zu verleihen. Dazu nutze ich die weichgezeichnete Polarkoordinaten-Ebene und forme diese zu einem Flügelteil, den ich dann ebenfalls einfärbe. Damit diese Farbe jedoch nur auf diese Form zugreift, verknüpfe ich die Einstellungsebene mit der darunterliegenden Formebene durch Klick auf die Trennlinie in der Ebenenpalette bei gedrückt gehaltener Alt-Taste.

Der Ebenenmodus des Verlaufes wird auf Unterteilen gestellt.

Schritt 8 – Formen aufbauen

Im Grunde sind die wesentlichen Bearbeitungsschritte bereits genannt worden. Es liegt an jedem selbst, welche Farben und Formen wie miteinander kombiniert werden. Ich zeige nun den weiteren Aufbau des Bildes auszugsweise.

• Polarkoordinaten auf die Gesamtform angewendet

• Weichzeichnen und Verschieben nach unten im Ebenenstapel

• Einstellungsebene Farbverlauf – Modusänderung

• Lines (neue Formen erstellen, färben, anfügen)

• Verlauf erstellen und Form und Verlaufsebene zusammenfassen

• Abschließend Verlauf weichgezeichnet, einkopiert

Zu guter Letzt noch ein weiteres Beispiel:

Schau Dir auch das Training zum Leuchtschleiereffekt als Video an.

Viele kleine Tipps und Tricks ergänzen dieses Video-Training. Die Navigation wurde so konzipiert, dass zu jeder Unterseite in der grünen Fläche Platz für Slogans oder einführende Texte verfügbar ist. Die Website enthält einen Slider für Bildwechsel auf der Startseite und eine Video-Integration sowie Schnittstellen zu Facebook und Twitter.

Ein bisschen Reklame in eigener Sache:

Schritt 1:

Ich erstelle ein neues Dokument in 1280 x 1400 Pixel. Die Auflösung ist dabei egal (ist nur relevant für Dokumente, die gedruckt werden sollen).

Schritt 2:

Damit ich jetzt weiß, wo der Hauptinhalt in einer Größe von 980 Pixel erstellt werden muss, gibt es folgenden Trick: Ich lege zunächst eine Hilfslinie genau in der Mitte an (rastet automatisch in der Mitte ein). Jetzt erstelle ich eine Auswahl mit Fester Größe und klicke mit gedrückter Alt-Taste genau auf die Hilfslinie. Jetzt wird meine Auswahl genau von diesem Punkt aus mittig erstellt.

Schritt 3:

Jetzt erstelle ich im Ebenenbedienfeld einen Hauptordner mit dem Namen der Webseite und darin einen Unterordner “Navigation”. Darin ziehe ich mit dem Rechteck-Werkzeug eine Formebene auf und spendiere ihr eine Verlaufsüberlagerung.

Schritt 4:

Jetzt wird es Zeit für die eigentliche Navigation, die ein Tabsystem enthält. Dazu erstelle ich wieder eine Fläche mit dem Rechteck-Werkzeug, und danach kommt das Abgerundete-Rechteck-Werkzeug zum Einsatz. (Ich könnte auch auf den Button in der Mitte der Optionsleiste klicken, um den Tab in meine vorhandene Fläche hinzuzufügen).

Schritt 5:

Beide Flächen müssen die gleiche Farbe haben. Jetzt gibt es zwei Möglichkeiten, wie ich beide Flächen zu einer mache: Entweder man markiert beide Ebenen mit der Shift-Taste und drückt Strg+E, damit daraus eine Pixelebene wird, oder aber man wandelt beide in eine Smart-Objekt-Ebene um.

Schritt 6:

Jetzt kann ich die Navigation mit Text füllen (Schriftart ist Verdana) und werte die Tab-Navigation mit einem Schlagschatten und einer Abgeflachten Kante sowie einer Verlaufsüberlagerung auf.

Schritt 7:

In den Tab füge ich noch eine Blume ein, die ich natürlich in ein Smart-Objekt umwandle, damit ich diese jederzeit nachträglich skalieren kann, ohne dass sich dabei die Qualität der Pixel verschlechtert. Als Schriftart für “Bauernhof Viereck” verwende ich BethHand, die es kostenlos auf www.dafont.com zum Download gibt.

Schritt 8:

Jetzt füge ich eine neue Gruppe mit dem Namen “Slider” ein. Dort kommt ein schönes Schafsbild hinein. Das Bild öffne ich erst einmal und wandele die Hintergrundebene durch einen Doppelklick im Ebenenbedienfeld in eine normale Ebene um. Danach nehme ich das Schnellauswahlwerkzeug, wähle den Kopf des Schafes aus und klicke auf Kante verbessern.

Schritt 9:

Mit dem Radius-verbessern-Werkzeug wähle ich den Rand des Kopfes aus, damit auch die kleinen Haare sehr gut freigestellt werden. Ich gebe das Ergebnis als Maske aus (muss unten bei Ausgabe eingestellt werden).

Schritt 10:

Jetzt ist zwar nur der Kopf zu sehen, aber dem kann ich schnell abhelfen. Ich nehme das Auswahlrechteck-Werkzeug, wähle alles bis zu den Augen aus und fülle die Maske, sodass das Ergebnis wie folgt aussieht:

Schritt 11:

Das Bild füge ich jetzt in mein Layout ein und spendiere ihm eine Kontur mit weißer Farbe:

Schritt 12:

Den Effekt wandele ich jetzt in eine eigene Ebene um (dazu mit der rechten Maustaste im Ebenenbedienfeld zunächst auf Kontur und dann auf Ebene erstellen klicken). Jetzt kann ich dem Effekt eine Maske hinzufügen und den Bereich am Kopf ausblenden.

Schritt 13:

Im Bild kommt wieder ein kleiner Slogan hinzu. Danach füge ich noch einen Button ein, damit man mehrere Bilder im Slider navigieren kann. Dazu nehme ich das Abgerundete-Rechteck-Werkzeug und maskiere den linken Bereich aus, damit der nicht rund ist. Die Deckkraft reduziere ich ein wenig.

Schritt 14:

Den Doppelpfeil hole ich mir aus der Zeichentabelle von Windows (einfach bei der Startsuche “Zeichentabelle” eingeben).

Schritt 15:

Wenn ich damit fertig bin, lege ich eine neue Gruppe mit dem Namen “Content” an, füge dort eine große Überschrift ein und dann mit der Schriftart Verdana ein wenig Fließtext.

Schritt 16:

Jetzt setze ich ein Bild mit Pferd und Pony ein. Das stelle ich frei und gebe ihm eine Kontur mit folgenden Einstellungen:

Schritt 17:

Möchte ich das Pony ein wenig dichter schieben, muss ich es gesondert freistellen und ihm dann die gleiche Fülloption geben (ich kopiere es mit gedrückter Alt-Taste im Ebenenbedienfeld). Das Gleiche mache ich auch bei meinem Salat.

Schritt 18:

Für “Ferienwohnungen” stelle ich ein ganzes Haus grob frei und füge es entsprechend mit Kontur ein.

Schritt 19:

Danach setze ich oben rechts im Contentbereich ein Bild für ein Video ein. Ein Play-Button ist schnell erstellt. Dazu wähle ich die Eigenen Formen und schnappe mir den Kreis.

Schritt 20:

Mit dem Polygonwerkzeug kann ich die Anzahl der Seiten auf 3 einstellen und ein Dreieck mit gedrückter Shift-Taste aufziehen. Die Deckkraft beider Formen ändere ich auf 60%.

Schritt 21:

Als Nächstes erstelle ich über dem Content-Ordner einen neuen Ordner mit dem Namen “Footer” und füge darin eine Kopie meiner Verlaufsform von der Navigation und darüber noch eine grüne Linie ein. Danach kommt noch die Anschrift hinein.

Schritt 22:

Unten im Footer möchte ich noch paar Social-Icons einfügen. Die kann ich entweder von z. B. www.iconspedia.com bekommen oder eben schnell selbst erstellen.

Schritt 23:

Das Icon kann ich wie folgt selbst erstellen: Ich ziehe eine Form auf, drehe diese leicht und füge dann diverse Effekte ein: Schlagschatten, Abgeflachte Kante und eine Verlaufsüberlagerung. Beim Buchstaben t brauche ich dann nur Schlagschatten.

Schritt 24:

Jetzt setze ich im Hintergrund ein Comic-Bild ein, welches ich bei Fotolia.com gekauft habe.

Schritt 25:

Die Deckkraft reduziere ich und die Hintergrundebene, die vorher grau war, färbe ich in Weiß um.

Schritt 26:

Tipp zum Schluss: Das Videosymbol ist nicht ganz mittig; das kann ich aber schnell einstellen, indem ich das Symbol und das Foto markiere und dann in der Optionsleiste auf das Icon zur vertikalen und horizontalen Ausrichtung klicke.

Schritt 27:

Außerdem sieht ein schwarzer Streifen oben und unten im Videovorschaubild noch besser aus.

Schritt 28:

Es empfiehlt sich, bei den ausgeschnittenen Fotos noch einen Schlagschatten anzulegen, damit der Kontureffekt besser zur Geltung kommt.

Schritt 29:

Die fertige Webseite in Photoshop sieht dann wie folgt aus:

Das Video zur Erstellung der Webseite findest Du hier auf PSD-Tutorials.de.

Eine komplette Umsetzung von Webseiten auf HTML5 und CSS3 Basis gibt es auf dieser Seite.

Zunächst öffne ich ein Foto meiner Wahl und gehe dann auf das Formen-Werkzeug und aktiviere die Gitter-Form (sollte die nicht vorhanden sein, einfach auf den kleinen Pfeil rechts im Formen-Bedienfeld drücken und auf Alle klicken).

Ein bisschen Reklame in eigener Sache:

Schritt 2:

Ich ziehe jetzt meine Form um das gesamte Bild auf (das mache ich deswegen, damit alle Fototeile gleich groß werden und nicht eines größer ist als das andere). Danach blende ich mir das Lineal ein, damit ich meine Hilfslinien wie folgt aufziehen kann:

Schritt 3:

Jetzt aktiviere ich die Hintergrundebene und wähle mit dem Auswahlrechteck-Werkzeug erst den linken oberen Bereich aus, kopiere {ZEILENUMBRUCH}diesen mit Strg+C und füge ihn dann mit Strg+V wiederum als neue Ebene ein. Diesen Schritt muss ich jetzt für jeden Teil erledigen.

Schritt 4:

Als Nächstes drehe ich jede Ebene ein wenig und vergrößere die Arbeitsfläche zum Schluss. Tipp: Das geht am einfachsten über das Freistellungs-Werkzeug, indem ich es komplett aufziehe und danach über die Arbeitsfläche hinaus weiter ziehe.

Schritt 5:

Jetzt füge ich noch eine weitere Ebene ganz unten ein und färbe diese mit einem radialen Verlauf.

Schritt 6:

Nun füge ich bei einer Ebene einen Schlagschatten+weiße Kontur ein. Diese müsste ich eigentlich mit der Alt-Taste auf jede Ebene kopieren. Das geht aber einfacher, indem ich mir das Stile-Bedienfeld aufrufe, dann die Ebene anklicke, die einen Effekt hat, und danach auf das Neu-Symbol im Stile-Bedienfeld klicke. Ich speichere mir meinen Stil als “Fotorahmen” ab.

Schritt 7:

Es gibt jetzt zwei Möglichkeiten, meinen Stil schnell einzusetzen. Entweder ich markiere alle betreffenden Ebenen mit der Shift-Taste und klicke einmal auf meinen Stil oder aber ich ziehe alle Ebenen, die davon betroffen sein sollen, in eine Gruppe und ziehe dann meinen Effekt einfach nur auf das Gruppen-Icon (Ordner-Symbol).

Schritt 8:

Natürlich kann ich jetzt noch jede Ebene ein wenig verschieben. Das Ergebnis sieht dann wie folgt aus:

Schritt 9:

Variante 2 und 3 erkläre ich im Video-Training ganz genau. Hier nur sehr kurz: Dieses Ergebnis habe ich erzielt, indem ich mir das Raster eingeblendet und in den Voreinstellungen die passende Größe definiert habe. So musste ich keine Hilfslinien ziehen, sondern konnte meine Fototeile direkt aus den Rasterkästchen entnehmen.

Schritt 10:

Bei Variante 3 habe ich mir das Slice-Werkzeug zu Hilfe genommen. Als ich damit alle Bereiche markiert hatte, ging ich auf Datei>Für Web und Geräte speichern und schon wurden alle Teile automatisch zerschnitten. Diese konnte ich wiederum mit Datei>Scripten>Dateien in Stapel laden in ein Photoshop-{ZEILENUMBRUCH}Dokument laden und dann schnell so verschieben, wie ich es wollte. Mehr dazu aber im Video-Training.

Das Video zum “Zerteiltes Foto erstellen – 3 clevere Varianten” findest Du hier.